Ça devait être une fête annuelle qui réunira tous les acteurs et amoureux de la mode masculine et de la haute couture mais le COVID-19, le virus qui vient de la Chine, tel Sauron, maître incontestable du pays de Mordor envoyant ses soldats déferler
Davantage
Avec Hedi Slimane, Raf Simons est l’un de rares créateurs qui montre
“Je pensais que c’était intéressant et super beau”. Il ne pensait pas
Le format de défilés traditionnels ne s’adaptant pas au contexte sanitaire actuel,
Si ses précédentes collections étaient hantées par les univers post-apocalyptiques et les films de science-fiction, la collection Automne/Hiver 2021-22 de Marine Serre, intitulée “Core” (comme “cœur” ou “noyau dur”), se veut plus optimiste, chaleureuse et enjouée, suggérant l’harmonie.
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Pour accompagner la présentation de cette collection, la diplômée de La Cambre a dévoilé une courte vidéo d’un peu plus de deux minutes – en fait, il s’agit plutôt d’un trailer – qui n’est en fait qu’une mise en bouche. En effet, c’est sur le site de la marque qu’on découvre la totalité de la collection, 69 looks pour hommes, femmes, enfants et seniors, accompagnée d’un documentaire constitué de plusieurs vidéos, que complète un livre-catalogue, le tout faisant partie d’un projet en trois actes.
La vidéo montre ses proches filmés dans leur quotidien qui forment sa communauté d’adeptes, tous habillés en Marine Serre, mais aussi les coulisses de son processus de création et d’upcycling.
Une poésie du quotidien qui délivre aussi un message fort : la mode responsable qu’elle appelle par “écofuturisme” que défend la créatrice depuis le début de son aventure.
“Il n’y a plus aucun doute sur le fait que cette dernière année a été difficile pour tout le monde et qu’il faut faire les choses différemment. Nous voulons amener l’écofuturisme dans les rues”, a déclaré l’étoile montante de la mode française.
Ainsi, elle peut se targuer cette saison de présenter une collection composée à 50% de pièces réutilisées et de 50% de fibres recyclées.
Dans une palette de couleurs souvent chaudes (camel, caramel, cacao, orangé, rouille) et dominée par son motif signature – le croissant de lune, et les patchworks qui suggèrent le métissage de cultures, de croyances et d’idées, la collection fait la part belle aux silhouettes influencées par le sportswear ou le workwear.
“Core est une lettre d’amour à tous ceux qui se sentent perdus dans un monde d’isolation. Cette année nous avons trouvé la force dans nos racines, et l’imagination comme force de transformation”, a-t-elle écrit dans la note du show.
© Marine Serre
Soutenue par une large base de fans inconditionnels au Japon et de plus en plus plébiscitée par des médias et stockistes internationaux, le label japonais AURALEE du designer Ryota Iwai prend lentement sa marque et s’impose une étoile montante de la mode mondiale.
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Pour Automne/Hiver 2021-2022, AURALEE revient sur le calendrier officiel de la Paris Fashion Week qui regorge de looks décontractés.
“Avec notre situation commune mondiale actuelle, j’ai pensé qu’il était nécessaire d’avoir des vêtements calmes mais inspirants”, a déclaré Iwai. “Le monde a eu la chance de ralentir et de réévaluer les nécessités de la vie. Je voulais donner aux gens un sentiment de guérison et de calme; pour exprimer ce sentiment de repos et de pause, quelque chose dont j’avais certainement besoin à l’époque”.
Avec un accent fortement mis sur le confort, l’inspiration derrière la collection est tout simplement de créer un vestiaire cohésif et intelligent.
Ses silhouettes épurées et simples reposent sur des coupes douces, une superposition de couches de textures luxuriantes et des matériaux naturels de haute qualité. Le tout souligné par une palette de couleurs neutres élégantes, de la crème au charbon de bois, avec parfois du roux, du bleu ou du jaune, qui voyagent à travers les formes fluides.
Cette saison, AURALEE dévoile aussi une nouvelle collaboration avec New Balance sur l’iconique modèle 550 et des chaussures en cuir fabriquées par foot the coacher.
© AURALEE
Restés coincés en Suède l’année dernière et pendant plusieurs mois en raison des restrictions de voyages dues à la crise sanitaire mondiale, le duo de créateurs et fondateurs de CMMN SWDN Saif Bakir et Emma Hedlund se sont inspirés du style folk suédois pour leur collection Printemps/Été 2021.
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Après un séjour à Londres, ils ont décidé de regagner la Suède, fuyant une ville désertée par la pandémie. Ils ont ressenti comme beaucoup d’autres le besoin de fuir dans la campagne et de se rapprocher de la nature. Et leur dernière sortie automnale s’appuie sur la précédente en ce sens qu’elle s’inspire toujours de la Suède, en particulier de la réserve naturelle près de la maison du couple. Le besoin de sortir et de se reconnecter avec la nature a servi de base pour cette collection.
Cependant, “ce n’est pas vraiment une collection d’extérieur”, tient à préciser Emma Hedlund. Ils ont ainsi imaginé un homme se réveillant dans un sac de couchage et se promenant dehors. Il s’agit “de se débrancher et de s’échapper de l’écran; Je pense que cela a été une sorte d’envie très urgente qu’on a tous ressenti pendant les périodes de confinement”, ajoute-t-elle.
Le couple a d’ailleurs une loi en Suède appelée “Allemansrätten” et datée des années 1970 qui garantit l’accès public à toute la nature, quelle qu’elle soit, privée ou publique. Et c’est cette décennie qui s’est faite fortement ressentir dans la collection, d’abord à travers sa palette de couleurs avec ses nuances de brun et de moutarde, aux reflets d’orange, de vert et de bleu ciel. Les silhouettes s’inscrivent également dans la continuité de la précédente collection estivale avec un clin d’œil aux années 70. Le pantalon est conçu pour une silhouette élancée et se termine par un évasement fendu. D’autres sont coupés mais légèrement évasés. Les tricots imprimés et jacquard se déclinent dans des motifs floraux inspirés de la nature dans des couleurs vives et des bruns rétro et orange vif typiques de l’époque.
© CMMN SWDN
Hedi Slimane a dévoilé, il y a tout juste une semaine, ses dernières créations pour Celine Homme mettant en scène la collection Automne/Hiver 2021-2022 de la maison, via une vidéo de 13 minutes diffusée sur son site et les réseaux sociaux.
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Intitulée “Teen Knight Poem” (“Poème de chevalier adolescent”), la vidéo a été tournée au château de Chambord, célèbre pour son mélange d’architecture médiévale et Renaissance.
Avec ses silhouettes, couleurs et broderies qui rappellent les tenues de cour et de cérémonie du XVIe siècle ou de Game of Thrones pour la génération de TikTok et d’instagram, sa collection est « une ode à la jeunesse et à la Renaissance. Le nouveau romantisme”.
Sa collection est riche de jeunes hommes qui, fait inhabituel, sont loin de toute ambiguïté androgyne qu’on a souvent vue chez Hedi Slimane, se promènent le long des remparts du château dans une garde-robe, globalement sombre, aux tons neutres remplie de pièces constellées de références au vestiaire du Moyen Age et de la Renaissance. Des chemises à fraise, de longues capes protectrices, des pantalons brodés de sequins luisants, des blousons en cuir oversize, des vestes de courtisans dignes d’une collection haute couture faites d’épaisses couches de sequins dorés, noirs et argentés, des bonnets en tricot dans le style des casques médiévaux et des shearlings costauds, superposés avec du denim, des gilets en cuir et des sweats à capuche. Aux oreilles des modèles, on peut voir des chaînes et des fleurs de lys héraldiques.
On y trouve aussi des silhouettes familières de Hedi Slimane inspirées des différents courants du rock qu’il affectionne particulièrement, de la Cold Wave (chemise à carreaux, cravate fine, trench) au glam rock (fourrure, jean skinny, bottines, l’œil souligné d’un trait de mascara, perfecto), en passant par le gothique (total look noir).
Deux imprimés audacieux ornent principalement les produits: le logo CELINE omniprésent et “A POEM”, qui sont tous chargés sur des visières, des bandeaux, des vestes en denim et des pulls à patchs aux côtés d’autres inscriptions, comme un “STRANGE” décliné en motif.
“Tradition Made New”, tel est le titre de la nouvelle collection de Junya Watanabe pour son label Junya Watanabe MAN dévoilée et filmée dans les locaux de Comme des Garçons de Tokyo.
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Du confort et encore du confort ! Des motifs Fair Isle, des pulls nordiques et de la maille Aran Irlandaise ont été transplantés, tissés ou fusionnés directement dans des vêtements d’extérieur placés au centre de cette collection.
Sa passion pour une mode hybride – fabriquer des puzzles de mode à partir de vêtements et matériaux disparates – trouve ici un terrain de jeu de prédilection et cela fait partie de l’ADN de sa marque. Habitué à des collaborations, il retrouve des partenaires historiques comme Levi’s ou Carhartt ou en créer des nouvelles comme des chapeaux avec la marque autrichienne Mühlbauer, des chaussures avec le label londonien Stepney Workers Club ou des sacs avec la maison florentine Il Bisonte.
Watanabe a également fait appel à divers musiciens dont le plus important est l’artiste hip-hop. Les paroles tirées de son album Not Waving, But Drowning apparaissent imprimées sur plusieurs pièces ou brodées sur les chapeaux de Mühlbauer. Ailleurs, les pochettes d’albums d’artistes comme Emapea, Koralle, Stan Forebee, Saib et Yeyts sont également utilisées pour orner ses créations.
© Junya Watanabe MAN
De Tokyo où elle est coincée depuis plusieurs mois à cause de la pandémie, Rei Kawakubo avait envoyé sa dernière collection Comme des Garçons Homme Plus qui trouve ses inspirations dans… l’obscurité !
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Dans une salle plongée dans un noir d’encre, des projecteurs s’allumaient et s’éteignaient seulement lorsque les mannequins entraient et sortaient. “La création peut surgir dans un endroit sombre où non seulement le visuel mais les six sens entrent en jeu”, a écrit Rei Kawakubo dans une note envoyée par courrier électronique. “C’est dans ce monde plongé dans les ténèbres que nous devons chercher et trouver quelque chose de nouveau”. Le message ne peut être plus clair en référence à la situation sanitaire que nous vivons actuellement.
Intitulée “Chambre noir” (“Darkroom”), sa collection est “tout comme les photographies (qui) révèlent leurs images dans la chambre noire, la création, le développement et le progrès peuvent, nous le croyons, également sortir de l’obscurité”.
Rei Kawakubo a ouvert la présentation avec une série de costumes blancs aux coupes décontractées dont les vestes tantôt à la coupe asymétrique, tantôt de style croisé ou à deux boutons sont associées à des pantalons amples et des jupes-culottes. La suite interagit avec la lumière et l’obscurité pour révéler une grande variété de textures et de proportions.
Des manteaux en vinyle noir transparent, certains en brocart de soie, des t-shirts à franges, des leggings imprimés, des vestes surdimensionnées à double matières…, impossible de tous les énumérer.
Cette collection a révélé aussi deux collaborations : la première avec Nike avec des sneakers montantes et la seconde avec le sculpteur afro-américain Willie Cole sur les coiffes sculpturales que portent presque tous les mannequins ainsi que sur les imprimés trouvés sur de nombreuses pièces.
© Comme des Garçons Homme Plus
À la place de son défilé habituel, Matthew Williams a dévoilé un lookbook, photographié par le photographe letton Ilya Lipkin, basé à Berlin, pour son label 1017 Alyx 9SM.
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Le lookbook met en scène les modèles traverser de manière toute naturelle devant un arrière-plan tout blanc comme s’ils étaient pris fortuitement en photo. Ceci a pour effet de focaliser notre regard sur les créations qui sont de toute évidence d’une grande élégance.
Cette saison, 1017 Alyx 9SM continue son jeu de revisiter les codes de la garde-robe classique à travers l’approche centrée sur la fabrication qui définit son travail et avec des éléments de design tournés vers l’avenir.
Des vestes en denim super allongées, des vestes sportives dotées de poches à double entrée incroyablement profondes, des costumes taillés par la maison italienne Caruso, des parkas techniques et des bombers légèrement rembourrés, des vestes en peau de mouton retourné ainsi que des tricots côtelés sont au programme.
Malgré les couleurs dynamiques et les coupes progressives, les tons neutres et les essentiels séduisants promettent la polyvalence et ont démontré une plus grande confiance et une maturité de la marque acquises au fil des années.
© 1017 Alyx 9SM
Pigalle Paris a toujours été une question de communauté, à la fois dans le quartier qui lui a donné son nom et dans la communauté des fans qui forment une base très solide depuis de nombreuses années.
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Cette notion de communauté est également soulignée dans la nouvelle collection AH21-22 de Pigalle Paris, autour d’un authentique collectif de jeunes parisiens mis en scène dans une vidéo énergique riche en couleurs et en textures.
Alors que Pigalle vient de fêter ses 10 ans l’an dernier, Stéphane Ashpool a expliqué que le processus créatif de cette collection a été très influencé par la pandémie qui lui a fait prendre conscience que le bonheur peut tout à fait se trouver dans les petites choses du quotidien. Dès lors, cette collection est l’occasion pour lui de revenir aux fondamentaux de sa marque : le jazz, la rue, la danse et les jeunes du quartier.
Alternant silhouettes nonchalantes, vêtements d’extérieur aux détails utilitaires et pièces décontractées au style sportswear ou workwear, cette collection se veut être fidèle à son identité, tout en développant une esthétique davantage sensuelle et contemporaine.
© Pigalle Paris
Comme chez Y/PROJECT, LEMAIRE opère aussi un changement de stratégie cette saison, dirigeant la marque vers une nouvelle voie et une nouvelle dimension.
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En effet, la griffe parisienne de Christophe Lemaire et Sarah-Linh Tran présentera dès cette saison seulement deux collections par an, en janvier et en juin. Celle qu’ils viennent de dévoiler est leur seconde collection co-ed.
Les collections saisonnières de LEMAIRE sont toujours appréciées pour leur interprétation souple et épurée de l’élégance parisienne, entrecoupée de coupes gracieuses avec une fabrication luxuriante. Leur dernière sortie AH21-22 maintient ces signatures, tout en soulignant encore plus fortement sur le toucher et l’estompage de frontières entre vêtements intérieurs et extérieurs devenu presque inévitable depuis l’apparition de la crise sanitaire.
Dans le but de répondre au besoin actuel de protection et de confort, ils ont superposé de généreux manteaux double couches, trenchs, parkas garnis de laine mongole, cardigans et gilets en cachemire sur des chemises, des pantalons ultra souples, des cols roulés extra fins et des pièces en jersey seconde peau, dans des tons terreux typiquement évocateurs.
Les textures et les jeux subtils de couleur jouent également un rôle très important dans cette construction minimaliste, avec notamment des teintes presque exclusivement neutres, éclairées par une touche de rouge vif et de camel tandis que les imprimés prennent une tournure abstraite avec ses effets marbrés.
© LEMAIRE
Changement de stratégie chez Y/PROJECT qui, à partir de cette saison, ne présentera plus que deux collections mixtes par an, en janvier et en juin. Ce ralentissement est expliqué par la crise actuelle, due à la pandémie, qui traverse l’industrie mais aussi par la nomination récente de Glenn Martens à la tête de la direction de création de Diesel.
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“À partir de cette saison, Y/PROJECT fusionne le prêt-à-porter féminin et masculin en une seule collection présentée deux fois par an durant la Paris Fashion Week masculine. Glenn Martens a décidé de rompre avec le rythme intense de quatre fashion weeks par an afin de libérer davantage de temps pour la créativité et l’expérimentation”, peut-on lire dans son communiqué.
Ainsi, la griffe parisienne a présenté cette saison et pour la première fois deux collections, hommes et femmes, en une. En une soixantaine de looks, Glenn Martens a offert une nouvelle interprétation des formes emblématiques de la marque : des courbes sinueuses et torsadées qui ont fait la réputation de la maison.
À côté de ses pièces en denim qu’on retrouve chaque saison, il y a des manteaux sur mesure, des chemises qui peuvent être boutonnées et déboutonnées à l’envie pour construire un look formel ou plus décontracté, des sweats qui peuvent être portés tout à la fois en version col rond, col polo ou col roulé ou encore des mailles au motif hippique.
Se faisant chantre de l’anticonformisme, Glenn Martens introduit cette saison une “nouveauté” – pas si nouvelle que ça puisque le concept a été exploré pour la première fois dans la collection AH17 : un fil métallique intégré directement dans le tissu permettant de transformer ou déformer les pièces et les motifs, donnant à ses créations un esthétique fort disruptif.
Glenn Martens annonce aussi à cette occasion sa seconde collaboration avec Canada Goose sur une capsule de vêtements de pluis, incluant des capes et des parkas ainsi qu’une association avec la marque brésilienne Melissa pour une ligne de mules et de sandales inspirées de tapis persans.
© Y/PROJECT
Connu pour ses créations mêlant influences de sa culture millénaire et celles de l’Occident, le designer shanghaïen Ziggy Chen s’est inspiré des jardins classiques de Suzhou, chefs d’œuvre de l’art des jardins chinois aménagés du XIe au XIXe siècles et classés au patrimoine culturel mondial de l’UNESCO.
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Son vestiaire pour l’automne prochain a fusionné des influences naturelles et architecturales, tout en gardant les codes d’une garde-robe d’un gentleman contemporain qui vit avec son temps.
Le designer shanghaïen joue avec les superpositions des pièces aux différentes proportions coupées dans des tissus nobles et légers, donnant à la collection une certaine grâce pleine de délicatesse et de douceur qui résonne avec notre temps.
Dominée par des tons neutres, tantôt sombres tantôt terreux qui évoquent la nature, la collection se connecte également à ce thème via des imprimés abstraits ou ornés de feuillage de bambou qui sont une célébration subtile des motifs traditionnels chinois.
Sur plusieurs manteaux, on remarque des rabats pouvant se boutonner à la place des poches. Ces rabats de tissu lorsqu’ils sont déboutonnés révèlent l’imprimé caché à l’intérieur ou se pendent pour une touche de déconstruction et de fragilité désinvolte.
© Ziggy Chen
Alors qu’elle s’est retrouvée confinée à la maison à cause de la pandémie, la créatrice Sud-coréenne Woo Young Mi, fondatrice de Wooyoungmi, s’est beaucoup adonnée à la lecture. L’essaie expérimental Le Livre du voyage publié en 1997 de Bernard Werber et Forgotten Beats de Matt Sewell l’ont particulièrement marqués, au point qu’elle a dédié sa collection à ces deux livres.
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“Comme toute autre personne, je suis de plus en plus préoccupé par l’environnement. Mais après avoir lu « Le Livre du voyage » de Bernard Werber, où les protagonistes retournent dans le passé et explorent la nature, puis « Forgotten Beasts » de l’illustrateur américain Matt Sewell, je me suis senti vraiment conscient de [notre impact] sur la nature”, a raconté Woo Young Mi.
Tournée dans une forêt à la nuit tombée, sa collection invite les spectateurs à entrer dans une forêt enchantée pour vivre une saison fondée sur la mythologie et la fantaisie. Les bois inquiétants préparent le terrain pour un dialogue entre le naturel et le surnaturel et guident la transformation de la collection de l’ordinaire à l’extraordinaire.
Afin d’exprimer sa préoccupation environnementale, Woo Young Mi a revisité les incontournables de la garde-robe d’extérieur avec une notion de protection fortement soulignée. Les anoraks, hoodies et blousons à la coupe généreuse se retrouvent rembourrés, les combinaisons s’étendent de la tête aux pieds, les manches s’allongent laissant à peine entrevoir les doigts, tandis que les têtes sont parfois recouvertes par des cagoules et capuches en laine.
Les costumes, point fort de Wooyoungmi, ne sont pas pour autant négligés. Sa créatrice revisite les motifs classiques comme le Prince de Galles avec de nouvelles finitions. Quant aux couleurs, elles évoquent souvent la terre avec des bruns terreux, des verts sourds, le roux et une poignée d’oranges et de rouges ardents.
Les courbes organiques des semelles des chaussures de randonnées donnent à la collection un aspect futuriste, tout en faisant un clin d’œil au livre de Werber.
© Wooyoungmi
Connu pour son approche écologique que ses fondateurs, le duo Hugues Fauchard et de Rémi Bats, définissaient comme philosophie de « conscient minimalisme« , le label parisien UNIFORME transpose ce concept à l’Ivy League.
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L’idée sous-jacente: et si les futurs dirigeants du monde, diplômés de ces institutions d’élite, devaient étudier la protection de l’environnement? Voilà, l’appel a été lancé !
Conformément à sa vision de la mode – une démarche grandement appréciée par l’industrie que le label, malgré son très jeune âge, a été sélectionné pour la seconde année consécutive par l’initiative “Sustainable Style” (Style durable) au Pitti Uomo 99 – UNIFORME propose des vêtements coupés dans de tissus naturels durables comme la laine italienne zéro émission et le velours côtelé épais.
Des polos de rugby, des pantalons plissés (à la coupe généreuse), des pulls A-line en mailles épaisses, des cols en tricot amovibles, des brassards en gros-grain rayés, des vestes en laine aux coudes patch et à manches incurvées rappellent le style collégial de l’Ivy League, tandis qu’une poignée d’imprimés botaniques en noir et blanc font un clin d’œil au travail du botaniste américain John Ernest Weaver, spécialiste dans la première moitié du XXe siècle de la faune des prairies et des relations écologiques entre les racines. Ces imprimés sont aussi un rappel visuel de la beauté brute de la nature.
Hugues Fauchard et de Rémi Bats de UNIFORME ont aussi mis l’accent, à cette occasion, sur leur collaboration avec J.M. Weston qui a donné naissance à une paire de derbie Golf triple semelle, confectionnée en cuir grainé noir, dont nous avions parlée dans ce post.
© UNIFORME
Chez Emanuel Ungaro, son directeur de création Philippe Paubert met l’accent cette saison, comme tous les autres grandes maisons et designers, sur le confort, plus que jamais d’actualité dans ce contexte, tout en offrant une nouvelle interprétation des codes de la maison de couture.
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La collection comprend de nombreuses pièces en tricot épais et des vêtements extérieurs confectionnés dans des matières respirant le confort comme le velours côtelé et de la laine. Les silhouettes balancent entre le décontracté et le sportswear, soulignées par des effets de textures qui font écho aux sculptures d’argile, de plâtre et de bronze de Jean-Charles Mainardis dont l’atelier parisien duquel a été utilisé pour mettre en valeur cette collection. La palette de couleurs renvoie aussi aux créations faites de terre de ce dernier, notamment avec ses teintes terreuses, marron, gris, bleu, éclairées par celles plus profondes et chaudes, tels le violet, l’orange ou le rouge bordeaux.
© Emanuel Ungaro
Luke et Lucie Meier ont dévoilé au dernier jour de la Paris Fashion Week leur collection automnale pour Jil Sander, présentée dans un court-métrage tourné dans le château de Franconville, l’ancienne demeure du duc de Massa, à Saint-Martin-du-Tertre dans le Val-d’Oise, à moins d’une heure de route de Paris.
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Netteté et minimalisme, deux grandes signatures de la maison Jil Sander, sont toujours au rendez-vous, offrant une vision chaleureuse et humaine du vestiaire masculin.
La collection du couple Meier est un jeu de vêtements fins et doux qui reflète le désir de tactilité, de confort et d’autoprotection qui la définissent.
L’équilibre des contraires au cœur de l’œuvre de Lucie et Luke Meier trouve ici de nouvelles formes et silhouettes. Les classiques pour hommes – costumes, pulls en tricot et pardessus – sont exagérés, avec des proportions allongées qui évoquent un air de détente. Ces pièces ont été agrémentées de portraits, imprimés ou tissés, romantiques en noir et blanc d’artistes du mouvement Bauhaus réalisés dans les années 1920 par Florence Henri.
Assortis à de nombreux looks ou portés sur les cols des pulls, des bijoux, colliers et breloques en argent synthétisent les thèmes de force et de vulnérabilité que Lucie et Luke Meier suggèrent constamment tandis que d’autres frappés du mot “Mère” déclarent l’importance de la parenté.
La palette de couleurs composée de blanc, beige, marron chocolat et noir juxtaposés à de délicates touches de lilas et de vert menthe, ainsi que de jaune vif et aqua, vient souligner la délicatesse et la vulnérabilité émotionnelle qui peuvent en fait devenir la plus grande force de chacun.
© Jil Sander
Depuis la création en 2018 de son label PHIPPS, le créateur américain Spencer Phipps a fait de la préservation de la nature et de l’engagement écologique l’une de ses priorités. Cet engagement qui lui tient particulièrement à cœur est de nouveau au centre de sa nouvelle collection qu’il a présentée sous forme de bande-annonce.
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“Sauvez les F-king baleines” (“Save the F–king Whales”), dès le premier look de sa collection, le designer donne déjà les tons de sa colère et son impatience face à la lenteur des efforts de l’industrie de la mode pour devenir plus durable.
Tournée au sommet du glacier islandais Skaftafellsjökull, la collection, intitulée “ENDURANCE”, rend hommage aux explorateurs du Grand Nord avec des pièces confectionnées à partir de matériaux recyclés ou biodégradables.
Inspirée des vêtements des explorateurs polaires, la collection inclut des vêtements fonctionnels superposés avec des équipements de ski rétro et une poignée de vestes et de manteaux en laine imitant la fourrure. Des basiques solides comme les survêtements, les leggings en jersey biodégradable, les maillots de rugby, les pulls épais en maille de cachemire recyclé Fair Isle et les cols roulés en laine de mérinos constituent l’essentiel de l’offre.
À cette occasion, Spencer Phipps annonce sa collection avec l’ONG Oceanic Global, chargée de la préservation des océans, pour lancer une campagne de financement participatif.
© PHIPPS
Yosuke Aizawa, le fondateur et designer de White Mountaineering, a amené une “bande de copains” sur le mont Tomamu, à Hokkaido, l’île la plus septentrionale du Japon, pour tourner la vidéo de présentation de sa collection Automne/Hiver 2021-2022.
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“Restez fidèle à vous-même”, disent les notes de la collection de White Mountaineering. Et son fondateur de compléter lors d’un appel Zoom de Tokyo : “C’est important d’être soi-même et de vivre sa propre vie. Quoi qu’il arrive, vous devez continuer à avancer” avant de déclarer que le message sous-jacent de sa collection était qu’il est important de continuer d’aller à la montagne même dans des circonstances difficiles, et de pouvoir “s’exprimer dans la nature et de vivre avec elle côte à côte”.
Ce sens indomptable de l’aventure renforce l’approche de retour aux sources qui informe de nombreux nouveaux looks dominés par une palette de couleurs terreuses qui, selon Aizawa, est selon de se connecter avec la nature.
Au programme, de nombreux parkas en GORE-TEX mais aussi en éco-polyester et en éco-polaire, des pantalons fuselés décontractés, des pulls ajustés, des plaids douillets et une foule de pièces créées en collaboration avec Mizuno , UGG , Saucony, Danner , Millet Gramicci et Briefing.
Les motifs, eux, ont bien entendu des rapports étroits avec la nature, avec des imprimés camouflage de haute performance que Aizawa décrit comme “se fondant dans la vie quotidienne” ainsi que des formes géométriques.
© White Mountaineering
Dans un mini-film tourné à l’Hôtel de la Païva, un hôtel particulier parisien appartenant autrefois à la marquise de Païva, à deux pas de la plus belle avenue du monde, les Champs-Élysées, recréant l’ambiance d’une after party des années 60-70, Charaf Tajer présente pour son label Casablanca sa nouvelle collection colorée, inspirée par l’insouciance et l’opulence des plus belles années de la French Riviera.
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Intitulé “Grand Prix”, en référence au Grand Prix de Monaco dont la fête est censée se dérouler à Monaco, en marge de la course automobile, sa collection fait clairement référence à l’univers du jeu – jeu de course d’automobile ou jeux de casino.
Chez les hommes, certaines des quatre enseignes des cartes à jouer se déclinent à travers imprimés et détails comme les carreaux deviennent des losanges contrastés sur une chemise ou sur un ensemble de jogging à col polo et boutonné ou prennent un vert éclatant pour habiller un manteau en fausse fourrure blanche. D’autres éléments font de jolis clins d’oeil aux imprimés signature de la marque ou à l’univers du F1, tels le lièvre courant, emblème de l’équipe de course fictive Casa, ou le paquet de cigarettes Marlboro, sponsor de longue date de la F1, revisité avec le logo de Casablanca.
Du rose poudré au jaune poussin, en passant par le bleu ciel, le rouge vif et le vert pomme ou vert sapin, Charaf Tajer ne lésine pas ni sur les couleurs, ni sur les nombreux motifs graphiques peints à la main ou sur les silhouettes kitsch (cols pelle à tarte, lunettes XXL, perles, chemisiers plissés) pour faire revivre l’esprit des sixties.
© Casablanca
Andrea Crews, le label français fondé par la créatrice Maroussia Rebecq, célèbre cette année ses 18 ans. Cette saison est l’occasion pour la designer de revenir sur son histoire en revisitant ses pièces iconiques.
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Sa nouvelle collection automnale présente une collection de pièces uniques, composée exclusivement de modèles iconiques revisités et upcyclés. Plus qu’un défilé digital, la présentation met en lumière l’upcycling, ses techniques et transformation ainsi que son inclinaison pour l’artisanat.
© Andrea Crews
Ne pouvant se déplacer à Paris pour présenter sa collection, le designer californien Reese Cooper a choisi l’Observatoire du Mont Wilson, un observatoire astronomique situé dans le comté de Los Angeles, en Californie, pour faire défiler ses hommes et ses femmes.
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Ce lieu emblématique de Los Angeles n’a pas été choisi au hasard. Situé au sommet du mont Wilson, à 1 742 mètres d’altitude, dans la chaîne des monts San Gabriel près de Pasadena, l’histoire de cet observatoire solaire, fondé en 1904 par George Ellery Hale, a été jalonnée de nombreuses découvertes de première importance, parmi lesquelles la découverte par Edwin Hubble des galaxies situées bien au-delà de notre propre Voie lactée, connues jusque là comme des nébuleuses.
Situé dans une région qui connaît très régulièrement des grandes incendies meurtrières, l’Observatoire a été menacé à de nombreuses reprises au cours de son existence par ce phénomène, la dernière en date était en septembre dernier lorsque l’une des pires incendies de l’histoire de la région, la “Bobcat Fire”, était à environ 150 mètres de son emplacement, menaçant de le détruire entièrement, ainsi que ses coûteuses installations.
Les constantes menaces de catastrophes naturelles qui pèsent sur la région de Los Angeles, par extension de la Californie, étaient un message sous-jacent de la collection de Reese Cooper qui a voulu y souligner l’importance de la durabilité, une notion au cœur de sa collection.
“Une fois que vous voyez pour la première fois une montagne qui est noire et le ciel si orange, que vous ne pouvez plus sortir et faire quoi que ce soit, vous réalisez à quel point cela est devenu grave”, a déclaré Cooper. “L’observatoire est un si bel endroit qui a failli être détruit. Pour moi, cela représente un sentiment d’espoir”.
Dominée par une palette de couleurs organiques de brun terre, vert cargo et orange argile, la collection, fabriquée localement à Los Angeles et presque exclusivement à partir de tissus recyclés, est une reconnexion à la nature. Les vêtements de plein air occupent une place centrale avec des pantalons cargo, de gros manteaux en laine à carreaux, des vestes en polaire et des bottes de randonnée. Le créateur accessoirise chaque look avec des masques de différents types, y compris des masques chirurgicaux classiques sur l’oreille et des masques à col roulé, ainsi qu’avec des chapeaux, y compris un chapeau de pêcheur avec un masque suspendu. On remarque les sangles qui enserrent la poitrine sur de nombreuses vestes, presque comme une ceinture de sécurité ou un ruban de mise en garde protégeant le porteur de son environnement.
Ailleurs, les vêtements d’extérieur particulièrement polyvalents abondent, parmi lesquels des bombardiers, des vestes de chasse, des manteaux et des anoraks – accentués par des traitements de teinture végétale et un motif de camouflage reconstitué à partir de photographies de forêts calcinées et des braises.
© Reese Cooper
À chaque saison de défilés, la maison Chanel retrouve le Grand Palais pour présenter sa collection et c’est devenu presque un rituel. Chez la maison parisienne de luxe Hermès, le Mobilier National dans le 13è arrondissement de Paris tient lui aussi de lieu de prédilection pour Véronique Nichanian de mettre en scène ses shows.
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Cette saison ne fait pas exception. La maison Hermès a de nouveau choisi ce lieu symbolique, ancien garde-meuble de la couronne créé en 1663 par Louis XIV et Colbert, aujourd’hui en charge de l’ameublement des palais officiels de la République : palais de l’Élysée, ministères…, pour présenter sa dernière collection automnale, une collection dont la mise en scène est assurée une fois encore par le metteur en scène Cyril Teste.
La collection explore l’idée de l’intérieur-extérieur, avec des vêtements hybrides qui tissent de nouveaux liens entre le dedans et le dehors, l’intime et le public – une tendance très pertinente dans le contexte sanitaire actuel et que l’on rencontre cette saison dans de nombreuses collections.
Au programme, des parkas à capuche, des surchemises en cuir, des gilets sans manches, des t-shirts matelassés, des gilets à rayures et des vestes en molleton avec une touche sportive. Les pantalons s’inscrivent aussi dans cet esprit de décontraction, pour la plupart avec un entrejambe souvent bas et munis de taille à cordon.
Voluptueuses ou compactes, les matières se télescopent dans des associations audacieuses qui troublent les lignes, entre formel et informel.
Quant à la palette de couleurs, elle associe des tons neutres comme l’olive et le taupe avec des couleurs plus percutantes, tels le cumin, le glycine, le rouge H et le bleu givre pour donner une nouvelle impulsion à l’élégance classique et au style effortless.
