Ça devait être une fête annuelle qui réunira tous les acteurs et amoureux de la mode masculine et de la haute couture mais le COVID-19, le virus qui vient de la Chine, tel Sauron, maître incontestable du pays de Mordor envoyant ses soldats déferler…
Davantage
Avec Hedi Slimane, Raf Simons est l’un de rares créateurs qui montre…
Charaf Tajer, le créateur de la marque franco-marocaine Casablanca, fait partie des…
Le format de défilés traditionnels ne s’adaptant pas au contexte sanitaire actuel,…
Trois mois après avoir dévoilé un premier teaser vidéo à la mi-janvier, la maison Berluti présente enfin l’intégralité de sa collection Automne/Hiver 2021-2022 lors d’un événement physique à Shanghai et présentation digitale à l’heure du déjeuner à Paris.
Planifiée le 5 mars pour une présentation en Chine, un marché prometteur pour la maison Berluti, elle a été finalement repoussée au 8 avril en raison de nouvelles restrictions sanitaires locales. Parallèlement à un événement physique à Shanghai où les invités peuvent toucher les vêtements, la vidéo de la collection, intitulée “Living Apart Together”, a été diffusée simultanément en ligne et en direct sur dix écrans installés sur le Bund à Shanghai.
Le directeur artistique Kris Van Assche a fait appel à son ami Yoann Lemoine, le musicien mieux connu sous le nom de Woodkid, pour lui conseiller, en tant que consultant créatif, sur la réalisation de la vidéo, filmée par le vidéaste Antoine Asseraf et mise en scène sur un fond blanc recouvert de la signalisation au sol, évoquant la distanciation sociale.
Cette saison, le designer belge a transposé les peintures abstraites en silicone aux dégradés de couleurs du plasticien russe basé à Berlin Lev Khesin sur une grande série de hauts – chemises de fête en coton, pulls en mohair, vestes maoïstes et blazers dandy – la saison dernière, il a travaillé avec le céramiste américain Brian Rochefort.
“Le travail de Lev Khesin sur la couleur et la transparence entre naturellement en résonance avec le travail des artisans de Berluti sur la patine”, explique Kris Van Assche. En effet, le résultat est tout simplement fantastique. Les effets de texture et les formes surprenantes de Lev Khesin qui, tantôt couler, tantôt s’estomper ou strier, rappellent le cuir patiné dont la maison française a fait sa spécialité depuis plus d’un siècle.
Sans renoncer à la construction tailleur, Kris Van Assche assouplit et déstructure les coupes pour donner plus de fluidité à ses vêtements. Une fluidité renforcée par des matières souples et confortables comme la soie, le cachemire double face ou la flanelle de laine. Le designer belge fait également appel à d’autres partenaires pour donner une dimension d’upcycling à sa collection comme l’artiste espagnol Jorge Penadés qui compresse les chutes de cuir pour imaginer des pendentifs ou la maison Loro Piana qui confectionne des pulls chinés en cachemire à partir de stocks dormants de mailles des précédentes collections.
© Berluti
Pour ses premiers pas sur le calendrier officiel de Paris, la marque de Copenhague HELIOT EMIL explore le concept d’équilibre entre stable et instable, en expérimentant la symétrie déséquilibrée et l’équilibre asymétrique.
Pour ce faire, le designer du label Julius Juul joue avec la superposition de différentes matières texturées (nylon, cuir et laine) et de courants (par exemple, brutaliste, utilitarisme et streetwear) les fermetures éclair ainsi qu’avec les coupes asymétriques, le tout dans un univers largement monochromatique.
Bien que sa mode homme se veut plus ancrée dans la réalité, le directeur créatif de la marque Bruno Sialelli s’appuie sur l’héritage de la plus ancienne maison de mode pour infuser dans la garde-robe quotidienne un nouveau sens du luxe.
Ainsi, les vêtements sont dans la fonctionnalité : simple, facile à porter et pratique. Mais ils sont réinventés, rehaussés par leurs fabrications – satin, velours, imprimés animaux et paillettes, clin d’œil à l’héritage couture – tandis qu’ailleurs le luxe sensuel et voluptueux du cachemire et de la laine japonaise transforme la perception.
Poursuivant cette tendance aux formes cocon, Sialelli a créé des pardessus qui offrent protection et confort. Des vestes ajustées à coupe large qui prolongent l’épaule, associées à des baskets Lanvin « Curb » emblématiques de la marque font ressortir le style indéniable d’une vénérable maison qui a toujours su s’adapter à l’évolution des mœurs et de son temps.
© Lanvin
Intitulée sobrement « Le Défilé« , filmée par le très branché cinéaste espagnol Alvaro Colom – un nom à surveiller, la nouvelle collection de AMI Alexandre Mattiussi est une célébration de l’énergie et l’insouciance de l’âge d’or des défilés et de la scène mode new-yorkaise des années 90.
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Revisitant de nombreux basiques dans des ensembles monochromes au minimalisme particulièrement contemporain, c’est une sorte d’hommage aux créateurs, aux émissions de télévision et aux modèles de cette décennie qui ont façonné sa vision de la mode.
Son vestiaire mixte est sans équivoque : on y perçoit l’écho de l’élégance décontractée de Caroline Bessette-Kennedy, du raffinement de Giorgio Armani, du style “Wall Street” de Michael Douglas, de l’élégance formelle et fonctionnelle de Calvin Klein, de Donna Karan et de Ralph Lauren ou encore du design conceptuel de Helmut Lang.
Quant à ses propositions, c’est une garde-robe dynamique mais simple avec des silhouettes surdimensionnées et bien définies où les costumes sont au cœur, soulignée par un minimalisme moderne et des blocs de couleurs bien inspirantes.
© AMI
Depuis ses débuts remarquables à la Fashion Week de Paris il y a un an, Kenneth Ize a été témoin, malgré lui, de nombreux évènements notamment dans son pays, le Nigéria. Dans la foulée de la pandémie sanitaire mondiale, du mouvement Black Lives Matter et d’une flambée de violence contre les personnes transgenres, le designer nigérian a aussi vu son pays s’enfoncer dans une crise politique meurtrière: les manifestations EndSARS de Lagos – une série de manifestations pacifiques dirigées par des jeunes pour appeler à l’interdiction de la Special Anti-Robbery Squad, une unité de la police nigériane, et à mettre fin à l’oppression et à la brutalité policière au Nigéria – ont éclaté dans toute la ville, entraînant la mort d’au moins 12 manifestants non armés.
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Ces événements ont tellement bouleversé Kenneth Ize que sa collection Automne/Hiver 2021-2022 reflétait son humeur sombre.
Sa collection, intitulé “Le cercle de la naissance et de la mort”, reste fidèle à son esthétique, jouant avec ses proportions décontractées, son utilisation tactile de la fabrication et ses techniques de tissage traditionnelles, y compris le tissu tissé à la main aso oke, fabriqué par le peuple Yoruba en Afrique de l’Ouest. Cependant, les difficultés sanitaires, économiques et sociales que traverse actuellement le monde – y compris la crise politique en cours dans son pays – l’ont conduit à troquer sa palette de couleurs primaires pour des nuances plus sombres comme le bleu, le marron, le gris, le brun et même le noir.
Parallèlement à ses rayures signature, il a introduit cette saison un imprimé représentant un Ouroboros, un symbole circulaire représentant un serpent ou un dragon mangeant sa propre queue. Ce symbole évoque le cercle de la vie et de la mort et signifie un nouveau commencement.
Les tissus asoke qu’il utilise dans ses créations, généralement tissés à la main dans des contrastes flamboyants, reflètent cette fois un esprit plus calme tandis que la laine mérinos qu’il utilise pour la première fois dans sa collection – il a été l’un des six finalistes du prix Woolmark de cette année – donne à ses tenues une sensation de raffinement.
© Kenneth Ize
Diffusée sur la plateforme numérique de la Fashion Week de Paris, la présentation de cette nouvelle collection de Palomo Spain du designer espagnol Alejandro Gómez Palomo coïncide avec le 5e anniversaire de son label.
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Intitulée “Nuevo Día”, la collection a été présentée à travers une pièce audiovisuelle produite par Shine Iberia, filmée dans un paysage futuriste plaques miroirs de la centrale solaire à concentration Solar Tres, connue aussi sous le nom de Gemasolar, située près de Séville, dans le sud de l’Espagne.
“Cet endroit à énergie solaire est comme une lumière qui brille dans nos cœurs à l’horizon”, s’est exprimé Alejandro Gomez Palomo. “Tout le monde peut le voir depuis notre village de Posadas. Vous savez, c’est l’endroit où ils font de l’énergie renouvelable, et nous l’avons aussi ressenti à propos de la collection. C’est rafraîchi et renouvelé!”.
En effet, porté par une vision originale et transgressive sur le vestiaire masculin, le designer espagnol propose un vestiaire plus léger et estival qu’à l’accoutumée, influencé par le mouvement pacifiste et le style hippie des années 60 et 70.
L’esthétique vise à “répondre énergiquement à la situation défavorable actuelle et à évoquer un profond désir de renouveau”.
Ce “désir de renouveau” et de fraîcheur – cette collection est moins théâtrale et plus portable que celles du passé – s’expriment tout d’abord dans les tissus, tels la popeline de coton imprimée, les brocarts pastel et les fibres naturelles de la maison Julián López, mais aussi dans les motifs, comme les imprimés floraux et les carreaux vichy, donnant à la gamme une touche plus fraîche.
Les silhouettes, elles, se dotent d’une allure incontestablement décontractée, plutôt inédite pour le label – bien que le tailoring, marque de fabrique par excellence du label andalouse, soit toujours très présent – avec ses pantalons évasés, ses bermudas slim fit, ses crop-tops et débardeurs ultra échancrés, ses tuniques sans manches, ses chemises et gilets ouverts dévoilant une partie du torse, et ses multiples “buckets” et “newsboy caps” issus de la collaboration avec Pardo Hats.
Autant d’éléments qui rappellent l’esthétique d’un mouvement ancré dans les cultures et mémoires collectives et l’esthétique genderless qui a depuis le début de sa création contribué au succès de la marque.
© Palomo Spain
L’année dernière, la maison Ann Demeulemeester connaissait deux bouleversements majeurs : le départ de son directeur de création Sébastien Meunier et l’acquisition de la marque par le détaillant italien Claudio Antonioli, homme d’affaires et cofondateur de New Guards Group, la société derrière Off-White, Palm Angels et d’autres marques de streetwear de haut niveau.
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Après avoir sauté la saison Printemps/Été 2021, le label revient sur le calendrier parisien avec une collection conçue en interne par son studio.
La collection, appelée sobrement “New Beginnings”, opère un retour aux sources avec sa ligne androgyne, son mélange romantique et Rock’n’Roll en noir et blanc, faisant la part belle au tailoring. Une sensation que l’on perçoit dès les premières images de son court-métrage tourné en noir et blanc par Willy Vanderperre, le photographe fétiche de Raf Simons.
“Ma mission est de préserver l’ADN – et de faire en sorte qu’Ann soit heureuse à l’avenir”, a déclaré le détaillant italien Claudio Antonioli, le nouveau propriétaire de la marque.
À travers les 14 silhouettes pour hommes, sur les 35 looks hommes et femmes confondus, l’équipe du studio du label rend un vibrant hommage à la fondatrice, renouvelant les signatures qu’elle appréciait tant. Des pantalons lâches, des costumes couture déconstruits, portés élégamment avec la chemise blanche ou un simple tricot de corps, complétés au besoin par le gilet d’homme classique et un chapeau en feutre noir si souvent présenté – et arboré par Ann Demeulemeester. Le tout sans aucun logo !
© Ann Demeulemeester
Sur une partition techno originale de Robert Hood, l’un des pères fondateurs de la techno minimale, intitulée “Organized Chaos”, Matthew Williams a fait défiler sa seconde collection co-ed pour Givenchy – sa première sortie pour la maison de luxe parisienne en octobre dernier était en fait un lookbook.
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Le défilé a véritablement eu lieu dans la gigantesque salle de concert Paris La Défense Arena – sans public bien entendu, distanciation sociale oblige – éclairée par un mur de lumière dramatique, éclairant dans un jeu clair-obscur un sol humide.
Arrivé en tant que directeur créatif de la maison en juin dernier, Matthew Williams qui dirige également sa propre marque d’inspiration streetwear 1017 Alyx 9SM montre ici son affinité pour la fabrication et l’expérimentation des matériaux. Mis à part quelques touches occasionnelles de rouge, les looks eux-mêmes présentent tous principalement une couleur monochromatique de noir, blanc cassé et marron. Si la palette de couleurs est restée épurée, les pièces elles-mêmes en étaient loin. Des éléments influencés par le street-style et le sportswear ont été fusionnés avec des créations avant-gardistes pour représenter une tension entre extravagance et disciple.
“À bien des égards, cette collection parle d’une tension constante entre deux mondes. Il s’agit de trouver un sens personnel dans des circonstances difficiles; il s’agit de sincérité dans ce que nous faisons plutôt que de stratégie. Nous voulions apporter un sens de la réalité vécue aux côtés de la précision, de l’élégance et de l’extravagance dans les vêtements et les looks. En fin de compte, la mode est pour nous une manière d’être, de ressentir et de se connecter plutôt qu’un jeu à jouer”, a déclaré Matthew Williams.
© Givenchy
Aujourd’hui, alors que le voyage n’est pour le moment et pour la plupart d’entre nous qu’un fragment d’imagination, le thème d’aviation est un sujet parfaitement approprié pour nous projeter vers un avenir plus radieux lorsque la pandémie sera derrière nous et que nous pourrons prendre de nouveau les avions.
Et comme nous tous, ce futur, espérons-le proche, et la perspective de pouvoir voyager de nouveau est dans l’esprit de Olivier Rousteing. Pour la maison Balmain, le designer nous embarque pour New York, ou peut-être pour Sydney, à bord, autour, en dessous et sur les ailes d’un Air France 777. – la vidéo de la collection a été tournée dans un hangar de l’aéroport Charles de Gaulle.
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Rousteing a récemment plongé dans les archives de Pierre Balmain, et a appris que peu de temps après la création de sa maison de couture en 1945, le couturier âgé alors de 31 ans a entamé un périple qui l’amenait aux États-Unis, en Angleterre et même en Australie pour promouvoir la mode parisienne.
Inspirée en partie par ces voyages d’après-guerre de Pierre Balmain, à bord de Air France of course, compagnie de son amie Gertrude Stein – “Elle était une grande écrivaine et une grande féministe, et elle l’a emmené découvrir l’Amérique. J’adore le fait qu’il voulait voir le monde et pas seulement rester coincé au même endroit”, a déclaré Rousteing – la collection regorge de pièces ultra désirables qui s’intégreraient facilement dans la garde-robe d’un voyageur du monde: manteau militaire oversize, parka futuriste prêt pour un voyage intergalactique, gilets en peau de mouton, vestes de bombardier – certaines ont des manches très longues, zippées et laissées ouvertes, pantalons cargo aux poches surdimensionnées vert kaki et combinaisons d’astronaute argentées à finitions rouges. Le tout associé à des bottes d’astronaute et à une large gamme de bagages de voyage de toutes tailles.
© Balmain
Les Jeux Olympiques et le Memorial Sports Coliseum de Los Angeles, servi de décor, ont été les premières sources d’inspiration de Thom Browne pour sa collection Printemps/Été 2021 basée sur le sport et présentée en octobre dernier.
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Quelques mois plus tard, le thème de sport est de nouveau au rendez-vous de la collection Automne/Hiver 2021-2022 du designer américain, avec cette fois pour vedette Lindsey Vonn, première championne de ski olympique aux États-Unis.
Browne a choisi la reine des courses alpines comme protagoniste dans l’un des meilleurs films de mode de la saison, un écrin de 10 minutes d’un conte de fée en noir et blanc qui évoquait l’intimité de “The Grand Budapest Hotel” de Wes Anderson et la sentimentalité du “Magicien d’Oz” de Victor Fleming, le tout dans un esthétique purement Thom Browne.
Réalisée par Carissa Gallo et tournée à Solitude Mountain à l’extérieur de Park City, Utah, la vidéo montre d’emblée la championne vêtue d’une robe matelassée à épaules dénudées et de vêtements de sport fusionnant un demi-tuxedo.
Et au fil des minutes qui passent, on découvrira que Thom Browne renouvelle ici son affection pour le mélange des codes du genre et sa prédilection de s’amuser avec les conventions des costumes. Les femmes revêtent alors des silhouettes masculines, les hommes des silhouettes féminines, tandis que le sportswear rencontre le vestiaire formel dans une volonté manifeste de briser les frontières et en prendre le contrepied.
Il mélange et assortit des pièces de couture classiques: bustier-rencontre-smokings, pardessus jumelés à des jupes, et des éléments de corseterie partout. Il joue avec le déséquilibre et la déconstruction, notamment sur les drapés asymétriques des robes, les différences de longueurs et de volumes, faisant souffler un vent de nouveauté à son label fondé il y a maintenant vingt ans, tout en conservant tout au long de la collection la même base : la chemise blanche à nœud papillon noir. Les pièces expérimentent des formes et des détails volumineux dans une série de tricots, de tissages, de nylon, de tweed et de délicates broderies.
Ici, la personnalité et l’expression de soi priment sur les vêtements qui, d’ailleurs, restent sans genre non conformes aux barrières comme la grandeur de l’esprit humain à nu dans le fantasme d’hiver en noir et blanc de Browne.
© Thom Browne
Ce n’est certainement pas anodin que Christelle Kocher appelle sa collection “Phœnix” et la vidéo qui l’accompagne “Birth of Paradise”, filmée au théâtre historique des Bouffes du Nord à Paris. Ces deux appellations font deviner une renaissance ou un nouveau départ, et avec cet espoir en tête que la fondatrice du label KOCHÉ, lauréate de l’ANDAM en 2019, a conçu sa collection Automne/Hiver 2021-2022.
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“Après tout ce que nous avons vécu, il y a aussi une volonté de penser la mode différemment. Faites moins mais mieux; être vertueux dans la production et remettre en question la façon dont nous consommons. J’espère que nous sortirons de la pandémie après avoir appris des leçons positives”, a-t-elle déclaré.
Le phénix, oiseau mythique par excellence connu pour son pouvoir de renaître après s’être consumé dans les flammes, thème de la collection, se joue à cache-cache tout au long de la programmation, chaque apparition est l’occasion de mettre en valeur un détail artisanal ou une prouesse technique.
En effet, directrice artistique du plumassier Lemarié, qui appartient aux Métiers d’art de Chanel, Christelle Kocher connaît mieux que quiconque l’artisanat et la délicatesse – saison après saison, elle s’efforce de rapprocher le savoir-faire artisanal des meilleurs ateliers et les looks street ultra pointus qui font partie de l’ADN de son label, dans un souci d’anoblir le streetwear tout en ancrant l’artisanat dans la mode de son époque. Ici, des plumes, en forme d’ailes, ont été cousues sur les épaules d’un t-shirt légèrement transparent; là, elles ont été incorporées en bas d’une cape donnant au modèle un mouvement comme s’il s’apprêtait à prendre son envol. Les ailes du phénix et les flammes de sa renaissance ont été exécutées en flocage de velours complexe appliqué au denim ou imprimées sur du cuir très fin.
Derrière ces détails précieux, soulignés par des matières raffinées comme les velours, cotons, denim, jersey et cuirs végan – forcément durables, le confort est toujours au rendez-vous, évoqué par des looks décontractés aux inspirations sportswear.
© KOCHÉ
Si ses précédentes collections étaient hantées par les univers post-apocalyptiques et les films de science-fiction, la collection Automne/Hiver 2021-22 de Marine Serre, intitulée “Core” (comme “cœur” ou “noyau dur”), se veut plus optimiste, chaleureuse et enjouée, suggérant l’harmonie.
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Pour accompagner la présentation de cette collection, la diplômée de La Cambre a dévoilé une courte vidéo d’un peu plus de deux minutes – en fait, il s’agit plutôt d’un trailer – qui n’est en fait qu’une mise en bouche. En effet, c’est sur le site de la marque qu’on découvre la totalité de la collection, 69 looks pour hommes, femmes, enfants et seniors, accompagnée d’un documentaire constitué de plusieurs vidéos, que complète un livre-catalogue, le tout faisant partie d’un projet en trois actes.
La vidéo montre ses proches filmés dans leur quotidien qui forment sa communauté d’adeptes, tous habillés en Marine Serre, mais aussi les coulisses de son processus de création et d’upcycling.
Une poésie du quotidien qui délivre aussi un message fort : la mode responsable qu’elle appelle par “écofuturisme” que défend la créatrice depuis le début de son aventure.
“Il n’y a plus aucun doute sur le fait que cette dernière année a été difficile pour tout le monde et qu’il faut faire les choses différemment. Nous voulons amener l’écofuturisme dans les rues”, a déclaré l’étoile montante de la mode française.
Ainsi, elle peut se targuer cette saison de présenter une collection composée à 50% de pièces réutilisées et de 50% de fibres recyclées.
Dans une palette de couleurs souvent chaudes (camel, caramel, cacao, orangé, rouille) et dominée par son motif signature – le croissant de lune, et les patchworks qui suggèrent le métissage de cultures, de croyances et d’idées, la collection fait la part belle aux silhouettes influencées par le sportswear ou le workwear.
“Core est une lettre d’amour à tous ceux qui se sentent perdus dans un monde d’isolation. Cette année nous avons trouvé la force dans nos racines, et l’imagination comme force de transformation”, a-t-elle écrit dans la note du show.
© Marine Serre
Soutenue par une large base de fans inconditionnels au Japon et de plus en plus plébiscitée par des médias et stockistes internationaux, le label japonais AURALEE du designer Ryota Iwai prend lentement sa marque et s’impose une étoile montante de la mode mondiale.
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Pour Automne/Hiver 2021-2022, AURALEE revient sur le calendrier officiel de la Paris Fashion Week qui regorge de looks décontractés.
“Avec notre situation commune mondiale actuelle, j’ai pensé qu’il était nécessaire d’avoir des vêtements calmes mais inspirants”, a déclaré Iwai. “Le monde a eu la chance de ralentir et de réévaluer les nécessités de la vie. Je voulais donner aux gens un sentiment de guérison et de calme; pour exprimer ce sentiment de repos et de pause, quelque chose dont j’avais certainement besoin à l’époque”.
Avec un accent fortement mis sur le confort, l’inspiration derrière la collection est tout simplement de créer un vestiaire cohésif et intelligent.
Ses silhouettes épurées et simples reposent sur des coupes douces, une superposition de couches de textures luxuriantes et des matériaux naturels de haute qualité. Le tout souligné par une palette de couleurs neutres élégantes, de la crème au charbon de bois, avec parfois du roux, du bleu ou du jaune, qui voyagent à travers les formes fluides.
Cette saison, AURALEE dévoile aussi une nouvelle collaboration avec New Balance sur l’iconique modèle 550 et des chaussures en cuir fabriquées par foot the coacher.
© AURALEE
Restés coincés en Suède l’année dernière et pendant plusieurs mois en raison des restrictions de voyages dues à la crise sanitaire mondiale, le duo de créateurs et fondateurs de CMMN SWDN Saif Bakir et Emma Hedlund se sont inspirés du style folk suédois pour leur collection Printemps/Été 2021.
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Après un séjour à Londres, ils ont décidé de regagner la Suède, fuyant une ville désertée par la pandémie. Ils ont ressenti comme beaucoup d’autres le besoin de fuir dans la campagne et de se rapprocher de la nature. Et leur dernière sortie automnale s’appuie sur la précédente en ce sens qu’elle s’inspire toujours de la Suède, en particulier de la réserve naturelle près de la maison du couple. Le besoin de sortir et de se reconnecter avec la nature a servi de base pour cette collection.
Cependant, “ce n’est pas vraiment une collection d’extérieur”, tient à préciser Emma Hedlund. Ils ont ainsi imaginé un homme se réveillant dans un sac de couchage et se promenant dehors. Il s’agit “de se débrancher et de s’échapper de l’écran; Je pense que cela a été une sorte d’envie très urgente qu’on a tous ressenti pendant les périodes de confinement”, ajoute-t-elle.
Le couple a d’ailleurs une loi en Suède appelée “Allemansrätten” et datée des années 1970 qui garantit l’accès public à toute la nature, quelle qu’elle soit, privée ou publique. Et c’est cette décennie qui s’est faite fortement ressentir dans la collection, d’abord à travers sa palette de couleurs avec ses nuances de brun et de moutarde, aux reflets d’orange, de vert et de bleu ciel. Les silhouettes s’inscrivent également dans la continuité de la précédente collection estivale avec un clin d’œil aux années 70. Le pantalon est conçu pour une silhouette élancée et se termine par un évasement fendu. D’autres sont coupés mais légèrement évasés. Les tricots imprimés et jacquard se déclinent dans des motifs floraux inspirés de la nature dans des couleurs vives et des bruns rétro et orange vif typiques de l’époque.
© CMMN SWDN
Hedi Slimane a dévoilé, il y a tout juste une semaine, ses dernières créations pour Celine Homme mettant en scène la collection Automne/Hiver 2021-2022 de la maison, via une vidéo de 13 minutes diffusée sur son site et les réseaux sociaux.
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Intitulée “Teen Knight Poem” (“Poème de chevalier adolescent”), la vidéo a été tournée au château de Chambord, célèbre pour son mélange d’architecture médiévale et Renaissance.
Avec ses silhouettes, couleurs et broderies qui rappellent les tenues de cour et de cérémonie du XVIe siècle ou de Game of Thrones pour la génération de TikTok et d’instagram, sa collection est « une ode à la jeunesse et à la Renaissance. Le nouveau romantisme”.
Sa collection est riche de jeunes hommes qui, fait inhabituel, sont loin de toute ambiguïté androgyne qu’on a souvent vue chez Hedi Slimane, se promènent le long des remparts du château dans une garde-robe, globalement sombre, aux tons neutres remplie de pièces constellées de références au vestiaire du Moyen Age et de la Renaissance. Des chemises à fraise, de longues capes protectrices, des pantalons brodés de sequins luisants, des blousons en cuir oversize, des vestes de courtisans dignes d’une collection haute couture faites d’épaisses couches de sequins dorés, noirs et argentés, des bonnets en tricot dans le style des casques médiévaux et des shearlings costauds, superposés avec du denim, des gilets en cuir et des sweats à capuche. Aux oreilles des modèles, on peut voir des chaînes et des fleurs de lys héraldiques.
On y trouve aussi des silhouettes familières de Hedi Slimane inspirées des différents courants du rock qu’il affectionne particulièrement, de la Cold Wave (chemise à carreaux, cravate fine, trench) au glam rock (fourrure, jean skinny, bottines, l’œil souligné d’un trait de mascara, perfecto), en passant par le gothique (total look noir).
Deux imprimés audacieux ornent principalement les produits: le logo CELINE omniprésent et “A POEM”, qui sont tous chargés sur des visières, des bandeaux, des vestes en denim et des pulls à patchs aux côtés d’autres inscriptions, comme un “STRANGE” décliné en motif.
“Tradition Made New”, tel est le titre de la nouvelle collection de Junya Watanabe pour son label Junya Watanabe MAN dévoilée et filmée dans les locaux de Comme des Garçons de Tokyo.
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Du confort et encore du confort ! Des motifs Fair Isle, des pulls nordiques et de la maille Aran Irlandaise ont été transplantés, tissés ou fusionnés directement dans des vêtements d’extérieur placés au centre de cette collection.
Sa passion pour une mode hybride – fabriquer des puzzles de mode à partir de vêtements et matériaux disparates – trouve ici un terrain de jeu de prédilection et cela fait partie de l’ADN de sa marque. Habitué à des collaborations, il retrouve des partenaires historiques comme Levi’s ou Carhartt ou en créer des nouvelles comme des chapeaux avec la marque autrichienne Mühlbauer, des chaussures avec le label londonien Stepney Workers Club ou des sacs avec la maison florentine Il Bisonte.
Watanabe a également fait appel à divers musiciens dont le plus important est l’artiste hip-hop. Les paroles tirées de son album Not Waving, But Drowning apparaissent imprimées sur plusieurs pièces ou brodées sur les chapeaux de Mühlbauer. Ailleurs, les pochettes d’albums d’artistes comme Emapea, Koralle, Stan Forebee, Saib et Yeyts sont également utilisées pour orner ses créations.
© Junya Watanabe MAN
De Tokyo où elle est coincée depuis plusieurs mois à cause de la pandémie, Rei Kawakubo avait envoyé sa dernière collection Comme des Garçons Homme Plus qui trouve ses inspirations dans… l’obscurité !
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Dans une salle plongée dans un noir d’encre, des projecteurs s’allumaient et s’éteignaient seulement lorsque les mannequins entraient et sortaient. “La création peut surgir dans un endroit sombre où non seulement le visuel mais les six sens entrent en jeu”, a écrit Rei Kawakubo dans une note envoyée par courrier électronique. “C’est dans ce monde plongé dans les ténèbres que nous devons chercher et trouver quelque chose de nouveau”. Le message ne peut être plus clair en référence à la situation sanitaire que nous vivons actuellement.
Intitulée “Chambre noir” (“Darkroom”), sa collection est “tout comme les photographies (qui) révèlent leurs images dans la chambre noire, la création, le développement et le progrès peuvent, nous le croyons, également sortir de l’obscurité”.
Rei Kawakubo a ouvert la présentation avec une série de costumes blancs aux coupes décontractées dont les vestes tantôt à la coupe asymétrique, tantôt de style croisé ou à deux boutons sont associées à des pantalons amples et des jupes-culottes. La suite interagit avec la lumière et l’obscurité pour révéler une grande variété de textures et de proportions.
Des manteaux en vinyle noir transparent, certains en brocart de soie, des t-shirts à franges, des leggings imprimés, des vestes surdimensionnées à double matières…, impossible de tous les énumérer.
Cette collection a révélé aussi deux collaborations : la première avec Nike avec des sneakers montantes et la seconde avec le sculpteur afro-américain Willie Cole sur les coiffes sculpturales que portent presque tous les mannequins ainsi que sur les imprimés trouvés sur de nombreuses pièces.
© Comme des Garçons Homme Plus
À la place de son défilé habituel, Matthew Williams a dévoilé un lookbook, photographié par le photographe letton Ilya Lipkin, basé à Berlin, pour son label 1017 Alyx 9SM.
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Le lookbook met en scène les modèles traverser de manière toute naturelle devant un arrière-plan tout blanc comme s’ils étaient pris fortuitement en photo. Ceci a pour effet de focaliser notre regard sur les créations qui sont de toute évidence d’une grande élégance.
Cette saison, 1017 Alyx 9SM continue son jeu de revisiter les codes de la garde-robe classique à travers l’approche centrée sur la fabrication qui définit son travail et avec des éléments de design tournés vers l’avenir.
Des vestes en denim super allongées, des vestes sportives dotées de poches à double entrée incroyablement profondes, des costumes taillés par la maison italienne Caruso, des parkas techniques et des bombers légèrement rembourrés, des vestes en peau de mouton retourné ainsi que des tricots côtelés sont au programme.
Malgré les couleurs dynamiques et les coupes progressives, les tons neutres et les essentiels séduisants promettent la polyvalence et ont démontré une plus grande confiance et une maturité de la marque acquises au fil des années.
© 1017 Alyx 9SM
Pigalle Paris a toujours été une question de communauté, à la fois dans le quartier qui lui a donné son nom et dans la communauté des fans qui forment une base très solide depuis de nombreuses années.
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Cette notion de communauté est également soulignée dans la nouvelle collection AH21-22 de Pigalle Paris, autour d’un authentique collectif de jeunes parisiens mis en scène dans une vidéo énergique riche en couleurs et en textures.
Alors que Pigalle vient de fêter ses 10 ans l’an dernier, Stéphane Ashpool a expliqué que le processus créatif de cette collection a été très influencé par la pandémie qui lui a fait prendre conscience que le bonheur peut tout à fait se trouver dans les petites choses du quotidien. Dès lors, cette collection est l’occasion pour lui de revenir aux fondamentaux de sa marque : le jazz, la rue, la danse et les jeunes du quartier.
Alternant silhouettes nonchalantes, vêtements d’extérieur aux détails utilitaires et pièces décontractées au style sportswear ou workwear, cette collection se veut être fidèle à son identité, tout en développant une esthétique davantage sensuelle et contemporaine.
© Pigalle Paris
Comme chez Y/PROJECT, LEMAIRE opère aussi un changement de stratégie cette saison, dirigeant la marque vers une nouvelle voie et une nouvelle dimension.
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En effet, la griffe parisienne de Christophe Lemaire et Sarah-Linh Tran présentera dès cette saison seulement deux collections par an, en janvier et en juin. Celle qu’ils viennent de dévoiler est leur seconde collection co-ed.
Les collections saisonnières de LEMAIRE sont toujours appréciées pour leur interprétation souple et épurée de l’élégance parisienne, entrecoupée de coupes gracieuses avec une fabrication luxuriante. Leur dernière sortie AH21-22 maintient ces signatures, tout en soulignant encore plus fortement sur le toucher et l’estompage de frontières entre vêtements intérieurs et extérieurs devenu presque inévitable depuis l’apparition de la crise sanitaire.
Dans le but de répondre au besoin actuel de protection et de confort, ils ont superposé de généreux manteaux double couches, trenchs, parkas garnis de laine mongole, cardigans et gilets en cachemire sur des chemises, des pantalons ultra souples, des cols roulés extra fins et des pièces en jersey seconde peau, dans des tons terreux typiquement évocateurs.
Les textures et les jeux subtils de couleur jouent également un rôle très important dans cette construction minimaliste, avec notamment des teintes presque exclusivement neutres, éclairées par une touche de rouge vif et de camel tandis que les imprimés prennent une tournure abstraite avec ses effets marbrés.
© LEMAIRE
Changement de stratégie chez Y/PROJECT qui, à partir de cette saison, ne présentera plus que deux collections mixtes par an, en janvier et en juin. Ce ralentissement est expliqué par la crise actuelle, due à la pandémie, qui traverse l’industrie mais aussi par la nomination récente de Glenn Martens à la tête de la direction de création de Diesel.
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“À partir de cette saison, Y/PROJECT fusionne le prêt-à-porter féminin et masculin en une seule collection présentée deux fois par an durant la Paris Fashion Week masculine. Glenn Martens a décidé de rompre avec le rythme intense de quatre fashion weeks par an afin de libérer davantage de temps pour la créativité et l’expérimentation”, peut-on lire dans son communiqué.
Ainsi, la griffe parisienne a présenté cette saison et pour la première fois deux collections, hommes et femmes, en une. En une soixantaine de looks, Glenn Martens a offert une nouvelle interprétation des formes emblématiques de la marque : des courbes sinueuses et torsadées qui ont fait la réputation de la maison.
À côté de ses pièces en denim qu’on retrouve chaque saison, il y a des manteaux sur mesure, des chemises qui peuvent être boutonnées et déboutonnées à l’envie pour construire un look formel ou plus décontracté, des sweats qui peuvent être portés tout à la fois en version col rond, col polo ou col roulé ou encore des mailles au motif hippique.
Se faisant chantre de l’anticonformisme, Glenn Martens introduit cette saison une “nouveauté” – pas si nouvelle que ça puisque le concept a été exploré pour la première fois dans la collection AH17 : un fil métallique intégré directement dans le tissu permettant de transformer ou déformer les pièces et les motifs, donnant à ses créations un esthétique fort disruptif.
Glenn Martens annonce aussi à cette occasion sa seconde collaboration avec Canada Goose sur une capsule de vêtements de pluis, incluant des capes et des parkas ainsi qu’une association avec la marque brésilienne Melissa pour une ligne de mules et de sandales inspirées de tapis persans.
© Y/PROJECT
Connu pour ses créations mêlant influences de sa culture millénaire et celles de l’Occident, le designer shanghaïen Ziggy Chen s’est inspiré des jardins classiques de Suzhou, chefs d’œuvre de l’art des jardins chinois aménagés du XIe au XIXe siècles et classés au patrimoine culturel mondial de l’UNESCO.
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Son vestiaire pour l’automne prochain a fusionné des influences naturelles et architecturales, tout en gardant les codes d’une garde-robe d’un gentleman contemporain qui vit avec son temps.
Le designer shanghaïen joue avec les superpositions des pièces aux différentes proportions coupées dans des tissus nobles et légers, donnant à la collection une certaine grâce pleine de délicatesse et de douceur qui résonne avec notre temps.
Dominée par des tons neutres, tantôt sombres tantôt terreux qui évoquent la nature, la collection se connecte également à ce thème via des imprimés abstraits ou ornés de feuillage de bambou qui sont une célébration subtile des motifs traditionnels chinois.
Sur plusieurs manteaux, on remarque des rabats pouvant se boutonner à la place des poches. Ces rabats de tissu lorsqu’ils sont déboutonnés révèlent l’imprimé caché à l’intérieur ou se pendent pour une touche de déconstruction et de fragilité désinvolte.
© Ziggy Chen
Alors qu’elle s’est retrouvée confinée à la maison à cause de la pandémie, la créatrice Sud-coréenne Woo Young Mi, fondatrice de Wooyoungmi, s’est beaucoup adonnée à la lecture. L’essaie expérimental Le Livre du voyage publié en 1997 de Bernard Werber et Forgotten Beats de Matt Sewell l’ont particulièrement marqués, au point qu’elle a dédié sa collection à ces deux livres.
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“Comme toute autre personne, je suis de plus en plus préoccupé par l’environnement. Mais après avoir lu « Le Livre du voyage » de Bernard Werber, où les protagonistes retournent dans le passé et explorent la nature, puis « Forgotten Beasts » de l’illustrateur américain Matt Sewell, je me suis senti vraiment conscient de [notre impact] sur la nature”, a raconté Woo Young Mi.
Tournée dans une forêt à la nuit tombée, sa collection invite les spectateurs à entrer dans une forêt enchantée pour vivre une saison fondée sur la mythologie et la fantaisie. Les bois inquiétants préparent le terrain pour un dialogue entre le naturel et le surnaturel et guident la transformation de la collection de l’ordinaire à l’extraordinaire.
Afin d’exprimer sa préoccupation environnementale, Woo Young Mi a revisité les incontournables de la garde-robe d’extérieur avec une notion de protection fortement soulignée. Les anoraks, hoodies et blousons à la coupe généreuse se retrouvent rembourrés, les combinaisons s’étendent de la tête aux pieds, les manches s’allongent laissant à peine entrevoir les doigts, tandis que les têtes sont parfois recouvertes par des cagoules et capuches en laine.
Les costumes, point fort de Wooyoungmi, ne sont pas pour autant négligés. Sa créatrice revisite les motifs classiques comme le Prince de Galles avec de nouvelles finitions. Quant aux couleurs, elles évoquent souvent la terre avec des bruns terreux, des verts sourds, le roux et une poignée d’oranges et de rouges ardents.
Les courbes organiques des semelles des chaussures de randonnées donnent à la collection un aspect futuriste, tout en faisant un clin d’œil au livre de Werber.
© Wooyoungmi
Connu pour son approche écologique que ses fondateurs, le duo Hugues Fauchard et de Rémi Bats, définissaient comme philosophie de « conscient minimalisme« , le label parisien UNIFORME transpose ce concept à l’Ivy League.
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L’idée sous-jacente: et si les futurs dirigeants du monde, diplômés de ces institutions d’élite, devaient étudier la protection de l’environnement? Voilà, l’appel a été lancé !
Conformément à sa vision de la mode – une démarche grandement appréciée par l’industrie que le label, malgré son très jeune âge, a été sélectionné pour la seconde année consécutive par l’initiative “Sustainable Style” (Style durable) au Pitti Uomo 99 – UNIFORME propose des vêtements coupés dans de tissus naturels durables comme la laine italienne zéro émission et le velours côtelé épais.
Des polos de rugby, des pantalons plissés (à la coupe généreuse), des pulls A-line en mailles épaisses, des cols en tricot amovibles, des brassards en gros-grain rayés, des vestes en laine aux coudes patch et à manches incurvées rappellent le style collégial de l’Ivy League, tandis qu’une poignée d’imprimés botaniques en noir et blanc font un clin d’œil au travail du botaniste américain John Ernest Weaver, spécialiste dans la première moitié du XXe siècle de la faune des prairies et des relations écologiques entre les racines. Ces imprimés sont aussi un rappel visuel de la beauté brute de la nature.
Hugues Fauchard et de Rémi Bats de UNIFORME ont aussi mis l’accent, à cette occasion, sur leur collaboration avec J.M. Weston qui a donné naissance à une paire de derbie Golf triple semelle, confectionnée en cuir grainé noir, dont nous avions parlée dans ce post.
© UNIFORME
Chez Emanuel Ungaro, son directeur de création Philippe Paubert met l’accent cette saison, comme tous les autres grandes maisons et designers, sur le confort, plus que jamais d’actualité dans ce contexte, tout en offrant une nouvelle interprétation des codes de la maison de couture.
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La collection comprend de nombreuses pièces en tricot épais et des vêtements extérieurs confectionnés dans des matières respirant le confort comme le velours côtelé et de la laine. Les silhouettes balancent entre le décontracté et le sportswear, soulignées par des effets de textures qui font écho aux sculptures d’argile, de plâtre et de bronze de Jean-Charles Mainardis dont l’atelier parisien duquel a été utilisé pour mettre en valeur cette collection. La palette de couleurs renvoie aussi aux créations faites de terre de ce dernier, notamment avec ses teintes terreuses, marron, gris, bleu, éclairées par celles plus profondes et chaudes, tels le violet, l’orange ou le rouge bordeaux.
© Emanuel Ungaro
Luke et Lucie Meier ont dévoilé au dernier jour de la Paris Fashion Week leur collection automnale pour Jil Sander, présentée dans un court-métrage tourné dans le château de Franconville, l’ancienne demeure du duc de Massa, à Saint-Martin-du-Tertre dans le Val-d’Oise, à moins d’une heure de route de Paris.
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Netteté et minimalisme, deux grandes signatures de la maison Jil Sander, sont toujours au rendez-vous, offrant une vision chaleureuse et humaine du vestiaire masculin.
La collection du couple Meier est un jeu de vêtements fins et doux qui reflète le désir de tactilité, de confort et d’autoprotection qui la définissent.
L’équilibre des contraires au cœur de l’œuvre de Lucie et Luke Meier trouve ici de nouvelles formes et silhouettes. Les classiques pour hommes – costumes, pulls en tricot et pardessus – sont exagérés, avec des proportions allongées qui évoquent un air de détente. Ces pièces ont été agrémentées de portraits, imprimés ou tissés, romantiques en noir et blanc d’artistes du mouvement Bauhaus réalisés dans les années 1920 par Florence Henri.
Assortis à de nombreux looks ou portés sur les cols des pulls, des bijoux, colliers et breloques en argent synthétisent les thèmes de force et de vulnérabilité que Lucie et Luke Meier suggèrent constamment tandis que d’autres frappés du mot “Mère” déclarent l’importance de la parenté.
La palette de couleurs composée de blanc, beige, marron chocolat et noir juxtaposés à de délicates touches de lilas et de vert menthe, ainsi que de jaune vif et aqua, vient souligner la délicatesse et la vulnérabilité émotionnelle qui peuvent en fait devenir la plus grande force de chacun.
© Jil Sander
Depuis la création en 2018 de son label PHIPPS, le créateur américain Spencer Phipps a fait de la préservation de la nature et de l’engagement écologique l’une de ses priorités. Cet engagement qui lui tient particulièrement à cœur est de nouveau au centre de sa nouvelle collection qu’il a présentée sous forme de bande-annonce.
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“Sauvez les F-king baleines” (“Save the F–king Whales”), dès le premier look de sa collection, le designer donne déjà les tons de sa colère et son impatience face à la lenteur des efforts de l’industrie de la mode pour devenir plus durable.
Tournée au sommet du glacier islandais Skaftafellsjökull, la collection, intitulée “ENDURANCE”, rend hommage aux explorateurs du Grand Nord avec des pièces confectionnées à partir de matériaux recyclés ou biodégradables.
Inspirée des vêtements des explorateurs polaires, la collection inclut des vêtements fonctionnels superposés avec des équipements de ski rétro et une poignée de vestes et de manteaux en laine imitant la fourrure. Des basiques solides comme les survêtements, les leggings en jersey biodégradable, les maillots de rugby, les pulls épais en maille de cachemire recyclé Fair Isle et les cols roulés en laine de mérinos constituent l’essentiel de l’offre.
À cette occasion, Spencer Phipps annonce sa collection avec l’ONG Oceanic Global, chargée de la préservation des océans, pour lancer une campagne de financement participatif.
© PHIPPS
Yosuke Aizawa, le fondateur et designer de White Mountaineering, a amené une “bande de copains” sur le mont Tomamu, à Hokkaido, l’île la plus septentrionale du Japon, pour tourner la vidéo de présentation de sa collection Automne/Hiver 2021-2022.
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“Restez fidèle à vous-même”, disent les notes de la collection de White Mountaineering. Et son fondateur de compléter lors d’un appel Zoom de Tokyo : “C’est important d’être soi-même et de vivre sa propre vie. Quoi qu’il arrive, vous devez continuer à avancer” avant de déclarer que le message sous-jacent de sa collection était qu’il est important de continuer d’aller à la montagne même dans des circonstances difficiles, et de pouvoir “s’exprimer dans la nature et de vivre avec elle côte à côte”.
Ce sens indomptable de l’aventure renforce l’approche de retour aux sources qui informe de nombreux nouveaux looks dominés par une palette de couleurs terreuses qui, selon Aizawa, est selon de se connecter avec la nature.
Au programme, de nombreux parkas en GORE-TEX mais aussi en éco-polyester et en éco-polaire, des pantalons fuselés décontractés, des pulls ajustés, des plaids douillets et une foule de pièces créées en collaboration avec Mizuno , UGG , Saucony, Danner , Millet Gramicci et Briefing.
Les motifs, eux, ont bien entendu des rapports étroits avec la nature, avec des imprimés camouflage de haute performance que Aizawa décrit comme “se fondant dans la vie quotidienne” ainsi que des formes géométriques.
