Art

Le portrait de Marilyn Monroe par Andy Warhol adjugé pour 195 millions de dollars aux enchères

Marilyn Monroe x Andy Warhol Enchère

Shot Sage Blue Marilyn”, le portrait de Marilyn Monroe par Warhol a été adjugé pour 195 millions de dollars, au bout de quatre minutes d’enchères, devenu ainsi l’œuvre du XXe siècle la plus chèrement vendue aux enchères, lundi soir à New York.

Comme nous avons parlé dans ce post, Christie’s New York a organisé une vente aux enchères exceptionnelle de 34 chefs-d’œuvre de la collection de Doris et Thomas Ammann, frères et sœurs suisses et cofondateurs de Thomas Ammann Fine Art AG , l’un des espaces artistiques les plus influents d’Europe.

Parmi ces chefs-d’œuvre mis en vente, figure “Shot Sage Blue Marilyn” de Andy Warhol, un tableau exécuté deux ans après la mort tragique de l’icône glamour d’Hollywood par le maître américain du pop art. Estimé aux alentours de 200 millions de dollars, le tableau est parti en quatre minutes au prix exact de 195,04 millions de dollars, frais inclus, dans une salle bondée du siège de la maison Christie’s, au cœur de Manhattan. Il n’a pas atteint le prix estimé de 200 millions de dollars avancé par Christie’s avant la vente, ce qui ne l’empêche pas de battre le précédent record pour une œuvre du XXème siècle aux enchères, “Les femmes d’Alger (version 0)” de Pablo Picasso (179,4 millions de dollars en mai 2015).

Marilyn Monroe x Andy Warhol Enchère

De sorte, “Shot Sage Blue Marilyn” de Warhol est devenue non seulement l’œuvre d’art du XXe siècle la plus chère vendue aux enchères, mais aussi la deuxième œuvre d’art la plus chère de tous les temps – juste derrière Salvator Mundi de Léonard de Vinci, qui vendu chez Christie’s en 2017.

La maison d’enchères, propriété de l’homme d’affaires français François Pinault, a précisé lors d’une brève conférence de presse que l’offre qui avait emporté le “Marilyn” avait été faite depuis la salle. Selon plusieurs spécialistes des enchères présents sur place, l’offre est venue du marchand d’art américain Larry Gagosian, propriétaire des galeries du même nom, mais on ignore s’il agissait pour son compte ou celui d’un client. Christie’s n’a pas souhaité faire de commentaire sur l’acheteur.

La totalité de la vente, soit 317 millions de dollars réalisés sur 34 des 36 lots vendus, ira à la Fondation Thomas et Doris Ammann, une organisation nouvellement créée qui se consacre à l’amélioration de la vie des enfants dans le monde.

De plus, l’acheteur de “Shot Sage Blue Marilyn” de Warhol sera invité à s’associer à la Fondation Thomas et Doris Ammann et à jouer un rôle actif dans l’accomplissement de sa mission mondiale pour l’aide à l’enfance. Outre que la totalité de la vente sera reversée à des œuvres caritatives, l’acheteur désignera où 20 % du produit du “Marilyn” de Warhol seront alloués, sous réserve de l’approbation finale de la Fondation.

© Christie’s

« Shot Sage Blue Marilyn », le portrait de Marilyn Monroe par Andy Warhol pourrait battre tous les records

Marilyn Monroe x Andy Warhol x Christie’s New York

La peinture de Marilyn Monroe d’Andy Warhol est mise aux enchères ce lundi pour un montant estimé à 200 millions de dollars

Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat se sont rencontrés en 1983, et durant toute la décennie 80 et jusqu’à leur mort, 1987 pour Andy Warhol et 1988 pour Jean-Michel Basquiat, ils étaient aussi bien amis proches, concurrents que collaborateurs.

La rivalité entre ces deux artistes majeurs du XXe siècle continue de faire étalage, des décennies plus tard après leur mort, en haut de l’affiche dans les salles d’enchères, à coup de millions de dollars. Ainsi, une peinture de crâne de Basquiat a rapporté, en 2017, 110,5 millions de dollars à Sotheby’s, dépassant la vente de la sérigraphie “Silver Car Crash” de Warhol vendue pour 105,4 millions de dollars en 2013. Mais Andy Warhol, lui, veut avoir son dernier mot !

En effet, ce lundi soir, la sérigraphie de Warhol de 1964 de Marilyn Monroe, “Shot Sage Blue Marilyn”, estimée à environ 200 millions de dollars, devrait remporter la compétition lors d’une vente aux enchères caritative chez Christie’s. Ce serait le prix le plus élevé atteint pour une œuvre d’art du XXe siècle aux enchères. Devant “Les Femmes d’Alger” (version 0) de Pablo Picasso (179,4 millions de dollars en mai 2015) et le “Nu couché” d’Amedeo Modigliani (170,4 millions en novembre 2015) adjugés aussi chez Christie’s.

Marilyn Monroe x Andy Warhol x Christie’s New York

Selon un classement établi par l’AFP, le record absolu – toutes périodes confondues – pour une vente d’oeuvre d’art aux enchères est détenu par le “Salvator Mundi” de Léonard de Vinci, adjugé en novembre 2017 pour 450,3 millions de dollars par Christie’s.

Attiré par ce mélange de glamour et de tragédie que Marilyn Monroe personnifiait, Andy Warhol s’est mis à peindre son portrait quelques semaines après la mort de l’interprète de Certains l’aiment chaud, en août 1962 – elle était le point de départ de sa grande fascination pour des stars hollywoodiennes des années 1930 et 40, comme Joan Crawford, Bette Davis et Marlene Dietrich.

L’image de Marilyn exsudait une malice sensuelle et une joie enfantine, mais sa vie était un désastre incessant – et elle en est venue à incarner le fossé entre l’apparence glamour et la tragédie personnelle”, a commenté Tony Scherman à propos de l’attirance de Warhol pour la starlette dans son “Le Génie d’Andy Warhol” (New York, 2001, p. 125).

Marilyn Monroe x Andy Warhol x Christie’s New York

Shot Sage Blue Marilyn” fait partie d’une collection de quatre toiles sérigraphiées nommée “The Shot Marilyns”. Une artiste de performance américaine du nom de Dorothy Podber a visité studio Silver Factory de Warhol en 1964 et, en voyant les peintures de Marilyn empilées contre les murs, a demandé à Warhol si elle pouvait les photographier. Warhol accepta, mais à la surprise de ce dernier, Podber met une paire de gants noirs, sort un revolver de son sac à main et tire à travers la pile de portraits de Marilyn Monroe dans le front. D’où le nom de la série !

La “Shot Sage Blue Marilyn” fait partie de la collection des marchands suisses Thomas et Doris Ammann, et le produit de la vente de ce lundi de ce chef-d’œuvre ainsi que de 36 autres œuvres ira à leur fondation, qui vise à améliorer “l’amélioration de la vie des enfants du monde entier en établissant des systèmes de soutien centrés sur la fourniture de programmes de soins de santé et d’éducation”. Dans un arrangement inhabituel, l’acheteur aura son mot à dire dans le choix de l’association caritative à laquelle 20% des recettes de “Marilyn” seront allouées, a annoncé dimanche Christie’s.

© Photos : Christie’s.

Longchamp donne carte blanche au graffeur parisien André Saraiva

Longchamp x André Saraiva

Vous avez envie de donner de la gaîté et des couleurs à votre garde-robe quotidienne, maintenant que le printemps est là ? Vous ne voudrez certainement pas manquer la prochaine collaboration Longchamp x André Saraiva qui regorge d’énergie et de positivité.

Poursuivant sa tradition annuelle de collaboration avec des créateurs et artistes, la directrice artistique Sophie Delafontaine de Longchamp a donné carte blanche au célèbre graffeur parisien André Saraiva pour rafraîchir l’iconique sac Le Pliage.

Longchamp x André Saraiva

Il y a des années, l’un de nos premiers showrooms parisiens était un espace loué près de la place de la Concorde. Quand nous avons emménagé, nous avons découvert qu’André était là avant nous – car juste là, derrière une porte, se trouvait Monsieur A (le personnage fétiche de André, ndlr). On pourrait dire que c’était notre première rencontre. Nous avons fini par quitter le showroom, mais nous avons gardé la porte !,” explique Sophie Delafontaine.

Pour la collection collaborative, André a décliné Le Pliage de Longchamp – une expression du style intemporel et classique de la marque – dans quatre tailles et quatre styles – tous fabriqués en nylon recyclé et cuir de veau. Les grands compagnons de voyage, les sacs à main miniatures et les sacs à main de tous les jours sont ainsi habillés de rose bonbon, bleu ciel, noir graphique ou vert signature de Longchamp, et recouverts soit de trois variantes de M. A, soit une de sa compagne, Mme A – tous équipés de son clin d’œil et de son sourire à pleines dents.

Autres points d’orgue de la collection : une version en cuir de veau naturel du sac de voyage Le Pliage, et une édition limitée du petit sac Le Pliage en toile polyester recyclée, aux imprimée de motifs Mr. A en rose et bleu et aux éclaboussures de peinture customisées directement par André lui-même.
Chacun de ces sacs, limités à seulement 200 pièces dans le monde et numérotés individuellement, est une œuvre unique en son genre.

Longchamp lance également trois foulards en coton et une cravate en soie pour accompagner les sacs avec encore plus de couleur.

Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x André Saraiva
Longchamp x Andre Saraiva 16
Longchamp x André Saraiva

La collection Longchamp x André Saraiva est d’ores et déjà disponible sur longchamp.com et dans les boutiques de la marque.

Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet, l’heure tout en facettes

Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet

Depuis leur première collaboration en décembre 2017, Hublot et Richard Orlinski ont donné naissance à plusieurs montres reprenant le style anguleux représentatif du travail de l’artiste et sculpteur français.
Au dernier salon Watches & Wonders de Genève, les deux partenaires ont dévoilé quatre déclinaisons de la Classic Fusion Orlinski Bracelet dotés d’un nouveau bracelet métallique intégré.

Inspirés par des sculptures de Richard Orlinski, les ingénieurs de la maison Hublot ont sculpté une montre où les arêtes, biseaux et facettes rythment boîtier, lunette, couronne, et un bracelet métallique en titane et composé de 83 pièces dont l’architecture est remarquablement biseautée et facettée. Les maillons, imaginés en forme de H, rappellent le logo Hublot.

Ce nouveau bracelet vient s’attacher au boîtier de la montre, sur lequel les facettes se prolongent. D’un diamètre de 40mm, celle-ci sied à tous les poignets comme à tous les genres.

Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet

Son boîtier en titane poli renferme un mouvement HUB1100, un calibre à remontage automatique offrant une réserve de marche de 42 heures. Son cadran, disponible à choix en céramique de couleur noire ou blanche, affiche lui aussi les facettes anguleuses chères à Richard Orlinski.

Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet

Une version partiellement sertie de la montre Classic Fusion Orlinski Bracelet est également proposée, équipée de son nouveau bracelet assorti. Jouant avec l’ombre et la lumière, certaines facettes de son boîtier, de sa lunette et de son bracelet se parent de diamants, pour un poids total de 3.79 carats.

Voilà cinq ans, alors que nous présentions le fruit de notre première collaboration, il était difficile d’imaginer que désormais les créations de Richard composeraient toute une collection de nos montres Hublot. Stade ultime de la difficulté technique, nous avons réussi ensemble à développer un bracelet métallique intégré, prolongeant ainsi l’art de Richard tout autour du poignet,” a déclaré Ricardo Guadalupe, CEO de Hublot.

Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet
Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet

La Hublot Classic Fusion Orlinski Bracelet est disponible en titane poli à 15 500 € ou en titane poli serti de 486 diamants blancs taille brillant à 44 500 €.

© Hublot

Swatch x le Centre Pompidou, la collab la plus arty de 2022

Swatch x Centre Pompidou

Pionnière des collaborations artistiques depuis 1985, Swatch invite de nouveau l’art dans ses créations, en s’associant avec le Centre Pompidou qui a permis certaines de ses œuvres les plus emblématiques s’affranchir de ses murs pour s’inviter sur nos poignets.

À cette occasion, Swatch et le célèbre musée parisien ont choisi de mettre à l’honneur six chefs-d’oeuvre les plus emblématiques de l’établissement : le Portrait de Dédie d’Amedeo Modigliani, le Manège de Cochons et La Tour Eiffel de Robert Delaunay, The Frame de Frida Kahlo, la Composition en Rouge, Bleu et Blanc II de Piet Mondrian, et Bleu de Ciel de Vassily Kandinsky.

Le partenariat avec le Centre Pompidou marque le nouvel arrêt de la tournée des musées de Swatch, initiée depuis 2018, qui a vu des oeuvres de nombreuses institutions culturelles de renommée internationale, tels le Rijksmuseum d’Amsterdam, le Thyssen-Bornemisza National Museum de Madrid, le Musée du Louvre de Paris, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, habiller ses célèbres montres Gent et New Gent.

Ce n’est pas la première fois que les deux partenaires se sont associés. En effet, leur première collaboration remonte à 1985 lorsque Swatch a exposé au Centre Pompidou sa première montre Swatch Art Special, créée en collaboration avec Kiki Picasso, alias Christian Chapiron. Puis, en 1999, elle signe avec Renzo Piano, l’un des pères du Centre Pompidou, la montre JELLY PIANO, inspirée par l’audacieux bâtiment. Et la même année, pendant la rénovation du Centre Pompidou, la marque a également créé le plus grand panneau extérieur au monde, affichant la phrase emblématique “Vous aussi, vous êtes notre musée” lui valant d’entrer dans le livre Guinness des records.

Swatch x Centre Pompidou – Portrait de Dédie (Amedeo Modigliani)

Swatch x Centre Pompidou

La montre rend hommage à l’artiste italien dont les célèbres portraits ont capturé le visage du Paris du début du 20e siècle. Swatch inclut la signature de l’artiste sur le bracelet de la Gent, un fini métallique sur le cadran et une touche rose pleine de douceur sur le boîtier, la boucle, le passant et les aiguilles.

Swatch x Centre Pompidou - Amedeo Modigliani

Swatch x Centre Pompidou – Le Manège de Cochons (Robert Delaunay)

Swatch x Centre Pompidou

La création s’inspire de la troisième version de la peinture Manège de Cochons de Robert Delaunay, l’artiste ayant détruit les deux premières versions.
Le peintre cherchait à représenter le mouvement par la couleur, ce que Swatch voulait absolument saisir. La découpe spéciale du cadran avec différentes couleurs imprimées sur la roue de calendrier assure un élément dynamique au design de cette montre Gent.

Swatch x Centre Pompidou - Robert Delaunay

Swatch x Centre Pompidou – La Tour Eiffel (Robert Delaunay)

Swatch x Centre Pompidou

Watch revisite la célèbre représentation de la Dame de fer parisienne dans toute sa gloire, sous un angle de vue différent. Les proportions de la montre Gent restent fidèles à l’œuvre originale de Robert Delaunay, tandis que le cadran, le bracelet et les aiguilles incorporent de vives nuances rouges, jaunes, orange et bleues.

Swatch x Centre Pompidou - Robert Delaunay

Swatch x Centre Pompidou – The Frame (Frida Kahlo)

Swatch x Centre Pompidou

La marque revisite ici l’un des plus célèbres portraits de l’artiste, avec un effet miroir à midi et 6h sur le bracelet. Les couleurs festives de The Frame sur le cadran de la New Gent contrastent parfaitement avec le rose éclatant du boîtier et à l’intérieur du bracelet semi-transparent.

Swatch x Centre Pompidou - Frida Kahlo

Swatch x Centre Pompidou – Composition en Rouge, Bleu et Blanc II (Piet Mondrian)

Swatch x Centre Pompidou

La montre rend hommage au père fondateur de l’abstraction géométrique dont l’influence se ressent principalement dans la mode, l’architecture et le design.
Swatch s’est assurée que les tonalités exactes de l’œuvre originale soient représentées sur la New Gent, notamment avec un cadran noir mat et des aiguilles surdimensionnées.

Swatch x Centre Pompidou - Piet Mondrian

Swatch x Centre Pompidou – Bleu de Ciel (Vassily Kandinsky)

Swatch x Centre Pompidou

La création reflète la fascination de l’artiste pour la couleur bleue et le surréalisme.
Swatch reproduit la technique de peinture profonde et texturale de Kandinsky sur le design de la New Gent où semblent flotter une constellation de petites créatures fantaisistes en apesanteur à découvrir dans l’œuvre Bleu de Ciel.

Swatch x Centre Pompidou - Vassily Kandinsky
Swatch x Centre Pompidou
Swatch x Centre Pompidou

La collection Swatch x Centre Pompidou est d’ores et déjà disponible sur swatch.com, dans les boutiques de la marque, ainsi que dans les boutiques du Centre Pompidou et sur boutique.centrepompidou.fr
Trois motifs Swatch x YOU Centre Pompidou inédits seront disponibles en ligne et dans les boutiques à partir du 24 mars 2022.

Hokusai et Hiroshige de retour chez UNIQLO

UNIQLO Collection UKIYO-E

L’art de Ukiyo-e, terme japonais pouvant se traduire en français par “image du monde flottant”, est régulièrement célébré par UNIQLO, notamment dans sa collection de t-shirts UT.

À l’approche de la belle saison, les deux grands maîtres de l’art Ukiyo-e Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige sont de retour dans la nouvelle capsule UKIYO-E de la marque japonaise.

Composée de t-shirts, sweats et accessoires de table, la capsule met de nouveau en avant la célèbre estampe La Grande Vague de Kanagawa de Hokusai, ainsi que d’autres œuvres de deux grands maîtres. Ainsi, on retrouve les paysages nippons surplombés par le majestueux mont Fuji, des tableaux où les éléments naturels mêlent sérénité et force ou encore des estampes félines.

Pour fêter le lancement de cette nouvelle collection, UNIQLO réalise une exposition à ciel ouvert, et propose de découvrir les estampes d’Hokusai et d’Hiroshige au cœur du 2e arrondissement. Sept oeuvres seront visibles entre les rues de Cléry, d’Aboukir et de Saint-Denis, à découvrir jusqu’au 18 mars.

UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E
UNIQLO Collection UKIYO-E

La collection UKIYO-E d’UNIQLO est à découvrir sur uniqlo.com et dans tous les points de vente de la marque.

Richard Mille annonce son partenariat avec le Louvre Abu Dhabi pour promouvoir l’art contemporain dans les Émirats

Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Mohamed Somji - Département de Culture et de Tourisme d'Abu Dhabi

Fidèle à son engagement en faveur de l’essor de l’art contemporain, la manufacture Suisse Richard Mille annonce son partenariat avec le Louvre Abu Dhabi pour les dix prochaines années.

La première étape de ce partenariat de prestige, qui sera axé sur l’art contemporain, est le lancement d’une nouvelle exposition annuelle intitulée “Louvre Abu Dhabi Art Here” et la création du Richard Mille Art Prize.

Le Richard Mille Art Priz est pensé comme une rampe de lancement en faveur du soutien et de la reconnaissance des artistes contemporains désireux de rayonner au sein des Émirats arabes unis (UAE) et au-delà. La première édition du Richard Mille Art Prize s’articule autour de la thématique “Mémoire, temps et territoire” et s’inscrit dans la lignée des célébrations du 50e anniversaire des Émirats arabes unis. Elle est ouverte exclusivement aux artistes basés aux UAE en mettant l’accent sur les talents résidents du pays qui pourront ainsi affirmer leurs singularités.

Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Hufton+Crow – Département de Culture et de Tourisme d’Abu Dhabi

Se déroulant du 18 novembre 2021 au 27 mars 2022, l’exposition tient place dans le Forum, un espace d’interactions et d’échanges dédié à l’art contemporain au sein du Louvre Abu Dhabi, acte la naissance d’un événement annuel incontournable pour les amateurs d’art contemporain.

Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Hufton+Crow – Département de Culture et de Tourisme d’Abu Dhabi
Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Hufton+Crow – Département de Culture et de Tourisme d’Abu Dhabi

Un jury, présidé par Son Altesse Cheikh Zayed bin Sultan bin Khalifa Al Nahyan, président de UAE Unlimited, collectionneur d’art et mécène du Centre Pompidou, du British Museum, de la Sharjah Art Foundation, et constitué de collectionneurs d’art, de conservateurs de musée et de critiques internationaux, distinguera parmi les sept finalistes sélectionnés le tout premier lauréat du Richard Mille Art Prize.

Les sept finalistes en lice pour le Richard Mille Art Prize 2021 sont : Cristiana de Marchi de nationalité libano-italienne, Latifa Saeed de nationalité émiratie, Mays Albaik de nationalité palestinienne, Mohammed Kazem de nationalité émiratie, Nasser Alzayani de nationalité bahreïnienne, Tarek Al-Ghoussein de nationalité palestino-koweïtienne, et Taus Makhacheva de nationalité russe.

La cérémonie de remise de prix se tiendra en janvier 2022.

Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Xavier Ansart
Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Xavier Ansart
Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Xavier Ansart – Œuvre de Nasser Al Zayani
Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Xavier Ansart – Œuvre de Mays Albailk
Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Xavier Ansart – Œuvre de Tarek Al-Ghoussein
Richard Mille x Louvre Abu Dhabi
©Photo : Xavier Ansart – Œuvre de Latifa Saeed

Lexus ON/, la vision d’un avenir électrifié, neutre en carbone et centré sur l’humain présentée au Design Miami 2021

Lexus On - Design Miami 2021

Partenaire Automobile pour la quatrième année consécutive au Design Miami/, qui se déroule du 1er au 5 décembre, Lexus y présente ON/, une installation de Germane Barnes et de l’Université de Miami proposant une vision d’un avenir électrifié, neutre en carbone et centré sur l’humain, inspirée du concept Lexus LF-Z Electrified.

L’installation ON/ est rythmée par l’électrification, la technologie et le design. Expérience visuelle à la fois dynamique et interactive, l’œuvre a été conçue comme un clin d’œil à l’engagement de la marque envers un luxe personnalisé et impliquant, basé sur une technologie intuitive, et l’utilisation réfléchie de l’électrification qui nous mène vers un avenir neutre en carbone.

Lexus On - Design Miami 2021

Le nom de l’installation ON/ fait référence à un interrupteur marche/arrêt comme vision d’un avenir neutre en carbone alimenté par la technologie électrique. L’installation est organisée autour d’une interprétation sculpturale en trois dimensions du concept-car LF-Z Electrified réalisée en acier et dotée d’un éclairage LED intégré. Le châssis de la voiture brille et est suspendu juste au-dessus du sol, suggérant une vision d’un avenir plus durable.

Lexus On - Design Miami 2021

Deux balançoires entourent cette sculpture, chacune étant suspendue dans une arche illuminée en un clin d’œil à l’architecture classique qui est à la fois fondamentale pour le design des infrastructures publiques et au cœur du programme de l’Université de Miami, créant une passerelle entre notre présent et les possibilités de l’avenir.

Cette forme d’arche se retrouve dans les meubles avec éclairage LED intégré conçus par Barnes et son équipe spécifiquement pour l’installation. Ceux-ci offrent des zones discrètes pour le repos et la récupération – reflétant l’engagement de la Marque envers le principe d’Omotenashi (hospitalité exceptionnelle).

Lexus On - Design Miami 2021

L’ensemble de l’installation est unifié par un système d’éclairage exclusif, conçu pour permettre la participation des visiteurs via un modèle virtuel interactif dévoilé en ligne, accessible ici, à côté de l’installation physique.

Les internautes sont invités à créer leur propre style d’éclairage en modifiant la couleur de divers éléments, notamment les murs, la voiture, les balançoires et les meubles. Barnes et son équipe sélectionneront une série d’éclairages créés par les internautes qui seront présentés sur place, mettant en lumière la vision créative de participants du monde entier.

Lexus On - Design Miami 2021

En tant que marque mondiale fidèle aux principes traditionnels japonais du Takumi (artisanat d’expert) et de l’Omotenashi (hospitalité exceptionnelle), et ayant pour mission de construire un avenir neutre en carbone, Lexus incarne des éléments qui sont des marqueurs essentiels d’un design de haute qualité pour aujourd’hui, tout en faisant écho à mes valeurs personnelles. Imaginer un avenir collaboratif, durable, équitable et donnant la priorité aux expériences uniques des individus est un moteur de ma pratique et de mon travail avec les étudiants ici à l’Université de Miami. À Design Miami/, nous sommes ravis de voir comment le public s’approprie l’installation, à la fois sur place et en ligne, ainsi que notre vision de l’avenir,” a expliqué Germane Barnes, Assistant Professor à la University of Miami School of Architecture.

Lexus On - Design Miami 2021

Nous sommes ravis de présenter cet incroyable projet de Germane Barnes et de l’Université de Miami à Design Miami/ pour notre quatrième année de partenariat avec le salon,” a complété Brian Bolain, Global Head of Marketing de Lexus. “Alors que nous nous tournons vers la prochaine génération de design, ce projet nous donne l’occasion de souligner l’engagement de Lexus dans l’électrification tout en travaillant en étroite collaboration avec les étudiants d’UMiami qui sont incroyablement talentueux et représentent vraiment l’avenir du design et de l’innovation.

© Lexus

Lexus et l’Université de Miami présenteront une installation immersive à Design Miami/2021

Lexus x Université de Miami - Design Miami 2021

Lexus sera, pour la quatrième année, le Partenaire Automobile de Design Miami/2021 qui se déroulera du 1er au 5 décembre prochains au Miami Beach Convention Center. La marque y présentera une installation, réalisée en collaboration avec l’University of Miami, qui explore la vision électrifiée et neutre en carbone de Lexus pour l’avenir.

Dirigé par l’architecte, designer et éducateur basé à Miami, Germane Barnes, le projet est largement inspiré du concept-car Lexus LF-Z Electrified. Cette installation physique, résultat d’une collaboration entre l’équipe du Studio Barnes et les étudiants de l’Ecole d’Architecture de l’Université de Miami qui, complétée par une expérience numérique dynamique, explore le potentiel d’un avenir électrifié, neutre en carbone et centré sur l’humain.

Lexus a longtemps été une source d’inspiration pour mon travail, en tant que symbole du luxe, de l’artisanat et d’une vision du futur qui est reconnue à travers les cultures et les communautés comme une icône de qualité,” a expliqué Germane Barnes. “L’opportunité de réaliser une installation qui explore cet héritage tout en célébrant le potentiel et la vision représentés par le concept-car LF-Z Electrified est incroyable. Nous sommes ravis de montrer au monde le potentiel de l’avenir au Design Miami/ 2021, à la fois grâce à l’exploration du modèle Lexus de nouvelle génération et grâce au talent, à l’énergie et à la vision de la prochaine génération de designers travaillant avec moi pour réaliser ce projet.

Lexus x Université de Miami - Design Miami 2021
Germane Barnes

Nous sommes fiers de nous associer à Germane Barnes et à l’Université de Miami pour l’édition 2021 de Design Miami/, et nous sommes impatients de voir prendre vie leur vision d’un avenir plus centré sur l’humain et neutre en carbone.” s’est exprimé Brian Bolain, Lexus Global Head of Marketing. “Le LF-Z Electrified représente le prochain chapitre de Lexus, ouvrant la voie à la prochaine génération. L’installation éclairera cette vision du point de vue des futurs designers.

© Photos : Lexus

Une copie du XVIIe siècle de la Joconde passe sous le marteau d’enchères chez Artcurial à Paris

Joconde Copie - Artcurial

Et si vous avez, vous aussi, votre Joconde accrochée dans votre salon ? On ne parle pas ici une vulgaire reproduction acquise à quelques dizaines euros dans n’importe quelle boutique d’affiches, mais une copie jugée fidèle de la Joconde de Léonard de Vinci, réalisée vers 1600 et qui sera vendue aux enchères, ce mardi, chez Artcurial à Paris.

Estimée entre 150 000 à 200 000 €, la Joconde mise aux enchères demain est une copie d’une qualité jugée “exceptionnelle” par les experts. Datant aux environs 1600, la copie du chef-d’œuvre de Léonard De Vinci exposé au Louvre – qui n’est pas en vente – est si similaire à l’original qu’il est probable que l’artiste ait eu un accès direct et privilégié à la version de Léonard, a déclaré la maison de vente aux enchères Artcurial.

Pour les yeux des communs de mortel, tels que nous sommes, tous les attributs de la Dame Lisa Gherardini, connue également sous le nom de La Joconde ou Mona Lisa, sont là : le sourire, la poste, les mains et les yeux légèrement rieurs qui vous suivent de partout, seul un œil expert peut remarquer que le décor en fond est moins bien imité, que les deux colonnes encadrant le portrait sont plus proéminentes, et que la copie est peinte sur un panneau de chêne et pas sur une toile, comme la majorité des autres reproductions ! Bref, une Mona Lisa qui ressemble à s’y méprendre à celle de l’œuvre la plus connue au monde exposée au Louvre.

Joconde Copie - Artcurial

La fidélité à l’original et l’intelligence de la copie tendent à nous laisser penser que son auteur a pu avoir accès à la “Joconde” de Léonard de Vinci et l’examiner avec attention. Il nous semble ainsi possible de proposer de voir, dans cette reprise d’une grande sensibilité et peinte avec habileté, une œuvre exécutée dans l’environnement même où se trouvait alors la Mona Lisa acquise par François Ier : à Fontainebleau,” explique Matthieu Fournier, commissaire-priseur chez Artcurial.

L’auteur est inconnu, mais il appartiendrait au collectif appelé la Seconde École de Fontainebleau. Le tableau a été retrouvé il y a six mois lors d’un inventaire familial en région parisienne selon l’expert.

Joconde Copie - Artcurial

En juin dernier, un collectionneur européen a acheté un autre exemplaire du XVIIe siècle de la Joconde pour 2,9 millions d’euros, un record pour une reproduction de l’œuvre, lors d’une vente aux enchères chez Christie’s à Paris.

© Photos : Artcurial

« The Evolution », toute la carrière de dix acteurs en GIF par le graphiste Prasad Bhat

Prasad Bhat
Black Panther

The Evolution”. Non, nous ne parlons pas de la théorie d’évolution des espèces de Charles Darwin, enfin presque ! Il s’agit ici non pas d’animaux, mais d’espèce humaine, mais plus précisément de dix êtres humains, ou plutôt de dix célébrités.

Johnny Depp, Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Christian Bale, Jim Carrey, Tom Hanks, Matt Damon, Will Ferrell, Arnold Schwarzenegger, et Black Jack, toute leur carrière d’acteur a été condensée dans des brefs gifs animés, retraçant les différents rôles que chacun a eu dans sa longue carrière à Hollywood.

Réalisées dans Adobe Illustrator par l’artiste et illustrateur numérique indien Prasad Bhat, ces animations vectorielles reposent sur un visage inchangé de l’acteur, sur lequel sont superposées des images qui représentent l’acteur dans des costumes utilisés dans ses films.

Prasad Bhat - The Evolution - Christian Bale
Christian Bale
Prasad Bhat - The Evolution - Jack Black
Jack Black
Prasad Bhat - The Evolution - Jim Carrey
Jim Carrey
Prasad Bhat - The Evolution - Leonardo DiCaprio
Leonardo DiCaprio
Prasad Bhat - The Evolution - Matt Damon
Matt Damon
Prasad Bhat - The Evolution - Robert De Niro
Robert De Niro
Prasad Bhat - The Evolution - Tom Hanks
Tom Hanks
Prasad Bhat - The Evolution - Will Ferrell
Will Ferrell

© Photos : Prasad Bhat

Le premier timbre au monde Penny Black est proposé aux enchères par Sotheby’s

Penny Black Enchères Sotheby's
© Hannah McKay (Reuters)

Bien qu’il soit lilliputien, avec sa dimension d’environ 2,54 cm (1 pouce) carré, et ne coûtait qu’un centime (1 penny), mais il a lancé une véritable révolution dans les communications. Un exemple du premier timbre-poste au monde, le Penny Black, sera proposé aux enchères, a annoncé hier la maison Sotheby’s, avec une estimation de prix pouvant atteindre 8,25 millions de dollars, soit plus de 7 millions d’euros.

Datant de 1840, le timbre est “le plus ancien exemplaire du premier timbre-poste daté de manière sûre”, selon la maison de vente aux enchères qui le présentera lors de sa vente “Treasures” (“Trésors”) le 7 décembre prochain à Londres.

Le timbre, proposé par Sotheby’s, est une impression vierge de la planche 1a – la première feuille imprimée – et porte la lettre A-1. Il a été authentifié par la Royal Philatelic Society et la British Philatelic Association.

Penny Black Enchères Sotheby's
© Hannah McKay (Reuters)

C’est “sans équivoque la pièce la plus importante de l’histoire philatélique qui existe”, a déclaré Henry House, responsable de la vente “Treasures” (“Trésors”) de Sotheby’s. Il “regorge d’histoire” et représente “l’aube même de la communication sociale…, permettant aux gens de communiquer à tous les niveaux de la société et aux entreprises de s’épanouir”.

Bien qu’il existe de nombreux timbres extrêmement importants dans les collections publiques et privées du monde entier, c’est le timbre qui a lancé le système postal tel que nous le connaissons,” a-t-il continué.
Le timbre a connu un succès retentissant lors de sa mise en vente en 1840, permettant aux gens d’envoyer une lettre pesant jusqu’à 15 grammes vers n’importe quelle destination du pays pour un tarif forfaitaire d’un centime.

Penny Black Enchères Sotheby's
© Hannah McKay (Reuters)

Celui proposé aux enchères fait partie des trois Penny Blacks qui auraient survécu de la toute première feuille de timbres imprimés. Les deux autres appartiennent à la collection du British Postal Museum.

Le design du timbre adhésif présente un profil de la reine Victoria, basé sur un croquis d’elle âgée de 15 ans – la même image est restée sur les timbres pendant plus de 60 ans jusqu’à sa mort en 1901. Il est collé sur un document daté du 10 avril 1840, provenant des archives de l’homme politique écossais et réformateur britannique des services postaux Robert Wallace.

Penny Black Enchères Sotheby's
© Hannah McKay (Reuters)

Le document Wallace a été acquis il y a 10 ans par Alan Holyoake, un homme d’affaires britannique et philatéliste de renom. “Le timbre n’est-il pas beau ?” s’est-il exclamé. “Le design est une icône mondiale, un design que notre reine actuelle utilise toujours.

UNIQLO annonce sa collaboration avec Jeff Koons

UNIQLO x Jeff Koons

Collaborant régulièrement avec le monde de l’art et avec des artistes contemporains, UNIQLO annonce sa prochaine collection en partenariat avec l’artiste américain Jeff Koons.

La griffe appartenant au groupe japonais Fast Retailing s’imprègne de l’univers singulier de l’artiste contemporain et reprend cinq reproductions de ses sculptures emblématiques, notamment Rabbit et Balloon Dog (Orange), lesquelles figurent parmi les œuvres d’art les plus emblématiques du XXe siècle.

J’aime beaucoup la manière dont UNIQLO s’adresse à ma génération, mais aussi aux plus jeunes. Tout le monde apprécie leurs vêtements, vraiment, et j’adore cette unité qui s’est créée autour d’eux. J’espère que cette collaboration permettra aux gens du monde entier de se connecter les uns aux autres et que l’art apportera du sens à leur vie quotidienne”, s’est exprimé Jeff Koons.

Chez Uniqlo, notre soutien aux artistes et les collaborations que nous menons avec eux sont au centre de notre volonté d’améliorer la vie de chacun. Jeff Koons représente l’art dans ce qu’il a de puissant, de positif et dans sa capacité à transformer ce que nous sommes, ainsi que le monde qui nous entoure. Jeff Koons est une source d’imagination et d’engagement et nous sommes particulièrement fiers de ce partenariat”, a déclaré, quant à lui, John C. Jay, Président International de la Création chez UNIQLO.

UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons
UNIQLO x Jeff Koons

La collection UNIQLO x Jeff Koons débarquera sur uniqlo.com et dans les points de vente de la marque à partir du 18 octobre. Elle sera également disponible dans la boutique IN-Q giftshop du Qatar Museums lors de l’exposition solo Jeff Koons : Lost in America. Cette dernière aura lieu à Doha au Qatar Museums, à partir du mois de novembre 2021.in du Qatar Museums, à partir du mois de novembre 2021.

OPPO expose à la Design Week de Milan « Bamboo (竹) Ring », une œuvre d’art créée avec Kengo Kuma

OPPO x Kengo Kuma

OPPO expose à la Design Week de Milan qui se tient jusqu’au 19 septembre « Bamboo (竹) Ring :|| Weaving a Symphony of Lightness and Form« , une œuvre d’art créée en collaboration avec l’architecte japonais Kengo Kuma.

Exposé dans le Cortile dei Bagni de Milan, ce projet d’envergure s’inscrit dans la continuité de l’exposition “Bamboo Rin”, de Kengo Kuma et OPPO, ayant vu le jour au London Design Festival en 2019 et explorant la relation entre les humains et la nature au travers de structures aussi légères que solides, fabriquées avec du bambou et de la fibre de carbone.

Cette année, l’installation d’OPPO sollicite les sens en puisant aussi bien dans des technologies de pointe que dans l’art, à travers une série de partitions composées par la violoniste japonaise Midori Komachi.

La composition, basée sur le cycle des saisons, se déplace dans la structure et encourage le public à se laisser emporter par la narration sonore. Les paysages changeants intègrent le son du violon de Midori Komachi ; un instrument construit à Milan en 1920 puis amélioré grâce à la fibre de carbone.

OPPO est une marque focalisée sur l’humain et notre objectif est d’innover pour les gens. Nous sommes ravis de nous associer à nouveau avec Kengo Kuma, un architecte connu pour fusionner nature et culture de manière transparente. Ensemble, nous démontrons que la technologie et le design peuvent être utilisés pour ajouter de la valeur à notre quotidien, ce qui est au cœur de notre philosophie de marque : la technologie comme forme d’art”, a déclaré Jintong Zhu, directeur du Design Centre d’OPPO à Londres.

La structure tissée de l’installation, fabriquée à partir d’anneaux de bambou et de fibre de carbone, se transforme en véritable instrument de musique lorsque le son la traverse grâce à des technologies issues de recherches du centre de Design de Londres. Des technologies innovantes telles que des nouveaux moteurs haptiques, des bandes de haut-parleurs MEMS et des excitateurs audio fonctionnent ensemble pour produire une base immersive et des fréquences plus élevées qui font trembler le bambou avec le vibrato du violon pour donner l’effet d’un instrument à percussion.

Quand je travaille en architecture, je m’intéresse au rythme et au ton plutôt qu’à la silhouette, et la musique contemporaine nous donne de nombreuses leçons sur la façon de créer de nouveaux rythmes et de nouveaux tons en architecture. Ce pavillon est une façon d’explorer des rythmes et des tonalités en architecture, pour combiner l’expérience visuelle et l’expérience acoustique des visiteurs”, s’est exprimé Kengo Kuma.

Après la Design Week de Milan, OPPO fera don de l’œuvre “Bamboo Ring” à Arte Sella Park, un musée d’art contemporain italien, situé à Borgo Valsugana dans la province Trentin dans le Nord-Est du pays, proposant des expositions en plein air réalisées à partir de matériaux naturels.

L’exclusive American Express Centurion reçoit deux nouveaux designs artistiques signés Rem Koolhaas & Kehinde Wiley

AMEX Centurion x Rem Koolhaas

La carte de crédit la plus exclusive au monde American Express Centurion fait l’objet d’une mise à jour spéciale cette année avec deux nouveaux designs, en collaboration avec l’architecte Rem Koolhaas et l’artiste Kehinde Wiley.

Le nouveau design de la AMEX Centurion est une collaboration entre le studio néerlandais OMA et American Express visant à mettre à jour les anciennes versions métalliques de la carte qui sont sur le marché depuis 2005.

Pour sa plus petite conception à ce jour, Rem Koolhaas, fondateur du studio d’architecture OMA qui est à l’origine, entre autres, de la Fondazione Prada et la Seattle Central Library, a développé un graphique coloré, basé sur le plan original de Boompjes, un dessin sérigraphié, créé à l’origine en collaboration avec l’architecte italien stefano de martino au début des années 1980 pour le projet jamais réalisé de réaménagement de Rotterdam.

Boompjes - Rem Koolhaas
Boompjes – Rem Koolhaas

Nous avons discuté de plusieurs options avec American Express, mais le projet Boompjes a été l’un de ses premiers favoris”, a déclaré Koolhaas. “Ce fut un projet fondateur pour moi et OMA, et c’était passionnant de le revisiter et de capturer son dynamisme sur le nouveau design de la Centurion Card.

Le projet avorté a finalement trouvé sa mise en œuvre sur la nouvelle carte Centurion.

Le but de ce projet était cette idée de repenser totalement ce que le design urbain et la vie urbaine peuvent être”, a déclaré Rafael Mason, vice-président senior des produits haut de gamme mondiaux chez American Express. “Rem est l’une de ces personnes spéciales qui n’est pas seulement un architecte incroyable, mais aussi une institution intellectuelle.”

AMEX Centurion x Kehinde Wiley
AMEX Centurion x Kehinde Wiley

Le portraitiste américain basé à New York Kehinde Wiley a également été sollicité pour concevoir une autre version de la carte, incorporant des motifs botaniques de la peinture de l’artiste Princess Victoire of Saxe-Coburg-Gotha (2012), qui fait partie de sa célèbre série An Economy of Grace dédiée à la célébration des femmes afro-américaines.

Les candidatures pour ces nouvelles cartes artistiques Centurions sont sur invitation uniquement. Vous trouverez plus d’informations sur les nouvelles cartes ici.

« SHARE », la nouvelle sculpture monumentale de KAWS dressée devant le Rockefeller Center

KAWS SHARE x Rockefeller Center
Jason Mendez / Getty Images

SHARE est le nouveau gardien géant de l’emblématique Rockefeller Center à New York. Dressant fièrement sur le Center Plaza, il souhaite la bienvenu à tous les visiteurs de ce complexe unique composé de 19 édifices construit en 1929 par l’homme d’affaires John D. Rockefeller.
SHARE est la nouvelle création monumentale de l’artiste KAWS, l’un des chouchous du marché de l’art contemporain.

La figurine en bronze de presque cinq mètres et demi de haut présente le personnage emblématique de KAWS “COMPANION”, tenant à la main gauche une “BFF” rose miniature – “COMPANION” et “BFF”, une imitation à fourrure d’Elmo que l’artiste a présentée pour la première fois en 2016, étant deux motifs favoris et récurrents de l’artiste américain, de son vrai nom Brian Donnelly. L’installation coïncide avec l’exposition Kaws: What Party de KAWS au Brooklyn Museum qui dure jusqu’au 5 septembre.

KAWS SHARE x Rockefeller Center
Jason Mendez / Getty Images

Je réfléchissais à ce que cette zone (le Center Plaza du Rockefeller Center, ndlr) signifie pour moi”, a déclaré KAWS. “La verticalité de toute l’architecture et la visite du Rockefeller Center quand j’étais enfant, les yeux levés et le sentiment d’être submergé, je voulais une sculpture qui puisse se rapporter à ces sentiments.

KAWS SHARE x Rockefeller Center
Jason Mendez / Getty Images

Dans SHARE, le “COMPANION” est censé représenter un sentiment de tristesse, de peur et d’isolement suite à de longues périodes de confinement dues à la pandémie, tandis que la poupée “BFF” qu’il porte suggère le confort dont beaucoup d’entre nous ont besoin.

KAWS SHARE x Rockefeller Center
Diane Bondareff / AP Images pour Tishman Speyer

“KAWS a créé un langage universel pour quiconque interagit avec ses personnages immédiatement reconnaissables. Le travail de KAWS subvertit les attentes tout en se sentant à la fois familier et stylisé, et le fait que SHARE clôture notre saison d’art estivale au Rockefeller Center résume parfaitement notre propre engagement à contraster les différents cultures, les styles et l’énergie”, a déclaré EB Kelly, directeur général de Tishman Speyer supervisant le Rockefeller Center.

KAWS SHARE x Rockefeller Center
Diane Bondareff / AP Images pour Tishman Speyer

SHARE est visible au Rockefeller Center jusqu’au 8 octobre.

Rockefeller Center
45 Rockefeller Plaza,
New York, NY 10111

Avec sa collection « Graffiti », TOD’S donne la parole au mouvement Street Art

TOD'S - Collection Graffiti
Photo : Henrik Blomqvist

TOD’S lance la Graffiti Collection, une capsule pour hommes et femmes incluant plusieurs modèles iconiques de la marque revisités avec des manuscrits et des dessins créés par son directeur créatif, Walter Chiapponi lui-même.

Depuis son arrivée dans la maison italienne fin 2019, Walter Chiapponi s’est tourné vers le street art comme source d’inspiration inépuisable. Inspiré par cet urbain, et notamment par les œuvres de Keith Haring et Jean Michel Basquiat, deux figures majeures du mouvement street art, Walter Chiapponi rend hommage à cette forme d’expression et aux valeurs qu’elle représente.

Ainsi, les iconiques Gommino, baskets et sacs T Timeless de la maison sont habillés à cette occasion des illustrations et textes graffitis à la portée positive, tels que “Dream”, “Amor” et “In Love We Trust”. Toutes ces pièces sont fabriquées à la main par les artisans des ateliers de TOD’S, mettant en lumière le mariage parfait entre une forme d’expression contemporaine et le savoir-faire centenaire de la maison TOD’S.

TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti
TOD'S - Collection Graffiti

La collection est en vente dans les boutiques TOD’S du monde entier, et sur tods.com

« The Cat », le félin bondissant de PUMA de Richard Orlinski s’expose à l’Industrie Magnifique à Strasbourg

PUMA x Richard Orlinski - The Cat

Au milieu de la place Broglie, située dans le centre historique de Strasbourg, un grand félin d’un rouge vif semble prêt à bondir sur les passants qui n’hésitent pas à brandir leur smartphone pour le prendre en photo, avant de réaliser eux-mêmes des selfies avec l’animal. “The Cat”, tel est le nom donné à cette œuvre commandée par PUMA à l’artiste Richard Orlinski.

Le félin a été exposé du 3 au 13 juin durant la seconde édition de l’Industrie Magnifique qui se tient actuellement à Strasbourg, avant de poser définitivement ses pattes sur le parvis du nouveau siège de l’équipementier allemand, dans le quartier du Wacken.

PUMA x Richard Orlinski - The Cat

“The Cat” est née de la rencontre de l’artiste français et Richard Teyssier, directeur général de PUMA. Connu pour ses œuvres représentant souvent des animaux colorés selon sa philosophie Born Wild, Richard Orlinski a obtenu carte blanche pour réaliser le félin bondissant de l’équipementier allemand – “The Cat” rappelle étrangement une autre de ses sculptures, le Panthère (Born Wild) Rouge de 2010.

PUMA x Richard Orlinski - The Cat

4, 31 mètres de long, 3,50 mètres de haut pour un poids de 470 kg, la sculpture représente le félin en train de bondir. Et pour donner cette sensation d’élan, Orlinski a utilisé une plaque en verre pour maintenir l’œuvre en place, tout en la donnant un mouvement majestueux.
J’étais particulièrement enthousiaste à l’idée de collaborer avec PUMA. C’est une marque française qui a su se renouveler et qui n’hésite pas à casser les codes. J’aime créer des ponts entre les différents domaines car je pense que l’art ne doit être cloisonné, il doit être visible par tous !”, a déclaré Richard Orlinski.

PUMA x Richard Orlinski - The Cat

Il s’agit d’une très belle rencontre où l’art rejoint le sport. Nous avons été conquis par cette belle opportunité et le lien a été naturel pour nous. Le timing était d’autant plus intéressant qu’il correspondait à la seconde édition l’Industrie Magnifique et à l’ouverture proche de notre nouveau siège dans le quartier strasbourgeois du Wacken. L’occasion pour PUMA et pour Richard Orlinski d’exposer pour la première fois l’œuvre et d’en faire profiter les habitants strasbourgeois”, a complété Richard Teyssier.

PUMA x Richard Orlinski - The Cat
PUMA x Richard Orlinski - The Cat
PUMA x Richard Orlinski - The Cat

© Photos : PUMA

Campari fait appel à Quentin Monge pour illustrer son coffret collector 2021

Campari x Quentin Monge

La marque italienne de spiritueux Campari, mondialement connue pour son amaro de nom éponyme, a fait appel à l’artiste français Quentin Monge pour illustrer la nouvelle édition limitée de son liqueur.

La nouvelle édition limitée 2021 de cet apéritif, célèbre pour sa couleur rouge vif et pour son goût amer et herbacé aux notes d’orange, est composée d’une bouteille de Campari et de deux verres à Campari Tonic, parfaits pour préparer le fameux drink italien.

Campari x Quentin Monge

Pour cette nouvelle édition, la marque a fait appel à l’artiste Quentin Monge pour illustrer le coffret. Le jeune illustrateur, natif de St-Tropez et baigné dès l’enfance dans l’esprit festif de cette célèbre ville côtière de la Méditerranée, s’est inspiré de l’ADN de la marque pour imaginer une composition élégante, tout aussi bien jubilatoire, de motifs qui retranscrivent parfaitement la fraîcheur tonique du liqueur.

Campari x Quentin Monge
Campari x Quentin Monge

L’abus d’alcool est dangereux pour la santé,, à consommer avec modération

Le coffret en édition limitée Campari x Quentin Monge est à retrouver exclusivement au Drugstore Publicis des Champs-Elysées et sur son site, au prix de 45€.

Une montre rare de Pablo Picasso s’est envolée aux enchères à presque 220 000 euros

Pablo Picasso Montre Michael Z. Berger

Une montre-bracelet rare de Pablo Picasso, créée exclusivement pour lui, a été vendue aux enchères cette semaine par la maison Bonhams Paris. Son prix s’est envolé à plus de 20 fois son estimation initiale.

La montre a été estimée au départ entre 12 000 à 18 000 euros mais l’acharnement entre deux passionnés a fait s’envoler le prix à un niveau record. L’un des deux a finalement emporté les enchères et la montre aura finalement été adjugée à 219 050 euros!

Ce fut une découverte extraordinaire et nous sommes ravis de ce résultat bien mérité pour un garde-temps aussi spécial, qui était également un superbe exemple de la tradition des noms à 12 chiffres”, a déclaré Jonathan Darracott, responsable mondial des montres chez Bonhams. “Il est plutôt approprié que Picasso ait suivi cette tendance car il était célèbre pour être un grand auto-publiciste.

Un tel record pour une montre à l’apparence très humble peut s’expliquer par le fait qu’on connaît peu de choses sur le devenir des montres possédées par le maître mort en 1973. De son vivant, outre cette montre, Picasso possédait plusieurs autres montres de luxe dont une Jaeger-LeCoultre Triple Date Moonphase, une Patek Philippe en or Triple Date Moonphase ou une Rolex GMT-Master.

Pablo Picasso Montre Michael Z. Berger

Celle en question ici est une montre en acier inoxydable de 32 mm de la maison suisse indépendante Michael Z. Berger, datée des années 1960. Il s’agit d’une trois aiguilles à remontage manuel de 17 rubis avec bracelet en acier, dont le cadran arbore les lettres (en noir) formant le nom de l’artiste en guise d’index des heures (une tradition qui remonte au 17ème siècle). C’était aussi la montre que Picasso portait dans l’un de ses célèbres portraits de Cecil Beaton.

D’après le vendeur dont on ne connaît pas son identité, la montre a été offerte personnellement par l’artiste à son amie et sculptrice grecque Lela Kanellopoulou, rencontrée à la revue artistique et littéraire Cahiers d’art. “La Belle Hélène”, ainsi est surnommée la sculptrice grecque par le grand maître, en référence à sa beauté, à sa nationalité grecque, a dit à son neveu qu’un jour dans les années 1960, Picasso a enlevé la montre de son poignet et lui a donné, l’un des rares cadeaux avec une céramique de son épouse Jacqueline.

NOAH fait revivre le travail de Tom Wesselmann, la légende du Pop art

NOAH x Tom Wesselmann

NOAH, la marque de streetwear de l’ancien directeur créatif de Supreme Brendon Babenzien, et la légende du Pop Art Tom Wesselmann se sont associés pour proposer une collection collaborative.

NOAH x Tom Wesselmann

Décédé en 2004 à l’âge de 73 ans, Tom Wesselmann – contemporain de Roy Lichtenstein et Andy Warhol, il est l’un des représentants les plus connus du Pop Art – a laissé derrière lui un héritage impressionnant d’œuvres aux couleurs audacieuses qui se sont inspirées de l’imagerie américaine et de la culture des médias.

NOAH x Tom Wesselmann

La capsule NOAH x Tom Wesselmann propose certaines des œuvres les plus connues, surtout celles des années 60, de Wesselmann comme Mouth #7, Face #5 (1967), Seascape #4 (1965), Bedroom Painting, Monica Sitting with Mondrian (Variation #4) sur une gamme de t-shirts, des chemises à manches courtes, des serviettes (Mouth # 7 et Monica Sitting with Mondrian (Variation #4)) et sur un gobelet transparent en plastique Tervis.

Chaque pièce présente une illustration de l’artiste, à l’avant, et le nom de l’artiste à l’arrière, accompagné de temps à autre du logo de NOAH.

NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann
NOAH x Tom Wesselmann

Toute la capsule NOAH x Tom Wesselmann est d’ores et déjà disponible sur noahny.com, au flagship de NOAH à New York et chez certains revendeurs comme Dover Street Market.

Ai Weiwei signe pour illycaffè une nouvelle illy Art Collection

illycaffè x Ai Weiwei

Boire son espresso dans des productions d’art imaginées par Ai WeiWei, l’un des artistes chinois les plus influents du XXIème siècle et figure incontournable de la scène artistique indépendante chinoise ? C’est tout à fait possible et accessible pour nous, les communs des mortels, avec la nouvelle collection Art Collection de la marque italienne de café illycaffè.

Avec ces créations inédites, Ai Weiwei rejoint la longue liste des artistes de premier rang dont Marina Abramovic, Michelangelo Pistoletto, Louise Bourgeois, Mark Quinn ou Matteo Thun… qui ont participé, depuis 1992, l’opération L’illy Art Collection.

Je suis très heureux de faire partie de la grande famille d’artistes ayant collaboré à la illy Art Collection. Je pense qu’il est important d’accorder de l’importance à l’art et au design tout en buvant un bon café, car cela change notre vie quotidienne. Nous devrions en profiter”, affirme Ai Weiwei.

illycaffè x Ai Weiwei

La collection illycaffè x Ai Weiwei est inspirée de la célèbre série Coloured Vases (“Vases colorés”) de 2006 de Ai Weiwei. L’artiste avait plongé d’anciens vases néolithiques dans des pots de peinture industriels, remodelant ainsi leur aspect et leur fonction, sortant les objets ordinaires de leur contexte quotidien et les transformant en œuvres d’art.

illycaffè x Ai Weiwei

Ce projet avec Ai Weiwei est une initiative exceptionnelle – a déclaré Massimiliano Pogliani, PDG d’illycaffè – et nous le célébrons aujourd’hui avec une nouvelle illy Art Collection particulièrement précieuse et raffinée. D’une grande personnalité, qui a marqué le débat culturel de ces dernières années en raisonnant sans compromis sur la complexité de la société, souvent avec une pointe d’ironie, nous obtenons une illusion d’optique, une beauté cachée qui se révèle si nous apprenons à regarder sans le préjugé de ne vouloir le faire que d’une seule façon. Pour nous, le projet illy Art Collection c’est justement cela, un art qui parvient à transmettre un message profond à travers la beauté, et l’œuvre d’Ai Weiwei en est une nouvelle et brillante confirmation.

illycaffè x Ai Weiwei

La collection d’Ai Weiwei est disponible sur illy.com dans différents formats :

4 tasses à espresso (décorées en or, noir, orange et vert) : 88€
4 tasses à cappuccino (décorées en or, noir, orange et vert) : 108€
2 tasses à espresso (décorées en or et noir) : 48€
2 tasses à cappuccino (décorées en or et noir) : 58€

MoMu fait appel à Marine Serre, Raf Simons et Walter Van Beirendonck pour sa grande réouverture

MoMu - Fashion 2.021 Antwerp - Fashion Conscious

MoMu, le musée de la mode d’Anvers, rouvrira ses portes le 4 septembre prochain et prévoit d’en faire une grande fête. Pour cette réouverture très attendue, il vient de lancer une nouvelle campagne en association avec certains grands noms de l’industrie de la mode.

Tous les musées du monde entier ont été touchés (comme la plupart des autres secteurs) par la pandémie mondiale en cours, mais les choses s’annoncent prometteuses pour MoMu, le musée de la mode d’Anvers.
Il y a trois ans, le MoMu d’Anvers fermait ses portes pour d’importants travaux de rénovation. L’arrivée de la pandémie mondiale de COVID-19 a retardé sa réouverture. Son horizon s’est cependant éclairci avec sa réouverture prévue dans quatre mois.

En effet, elle est prévue pour le premier week-end de septembre, les 4 et 5 septembre 2021, et la direction du musée ne laissera certainement pas cet évènement passé inaperçu. En plus de présenter l’espace muséal entièrement rénové, trois expositions et un festival sont également prévus.

L’un des évènements majeurs de la réouverture est l’exposition Fashion 2.021 Antwerp – Fashion / Conscious qui doit se dérouler du 04 septembre 2021 au 23 janvier 2022.

Notre objectif est d’ouvrir le MoMu rénové au grand public en tant que centre de la mode et lieu de rencontre, et de fournir une vision unique et socialement pertinente de la mode. La réouverture du musée est au centre du projet “Fashion 2.021”, et MoMu organisera un programme de réouverture axé sur les transitions mondiales dans le monde de la mode d’aujourd’hui et de demain. Le titre “Fashion / Conscious” a de nombreuses significations pour le grand public. Il peut inspirer tout le monde, des amateurs de mode aux aficionados actifs. Il fait également référence à la durabilité et à une approche “consciente” de la mode, non seulement en termes écologiques, mais aussi en termes de l’industrie de la mode en rapide évolution et en voie de numérisation”, s’est exprimé Kaat Debo, directeur et conservateur en chef du MoMu.

Et pour annoncer sa grande réouverture, MoMu a fait appel à certains grands noms de l’industrie de la mode pour réaliser une campagne en six visuels. La campagne a été réalisée, en collaboration avec Walter Van Beirendonck, Raf Simons, Glenn Martens, Marine Serre, Rushemy Botter et Supriya Lele. La campagne, qui sera placardée dans toute la ville, vise spécifiquement à susciter l’émotion et espère promouvoir un dialogue social essentiel.

“Nous avons délibérément voulu provoquer l’émotion avec ces images. Sur les photos que vous voyez, entre autres: embrasser des gens, faire la fête avec des jeunes et des familles. Le sens de la tactilité était également important dans les images, ce qui est devenu très important après plus d’un an de vie à distance”, a expliqué Kaat Debo.

L’équipe créative derrière la campagne visuelle “Fashion / Conscious” comprend des talents internationaux et locaux de la mode et de la photographie. Elle compte la directrice artistique Isabella Burley (ancienne rédactrice en chef de Dazed & Confused), la photographe Hanna Moon (Arena Homme +, British Vogue, Stüssy, Supreme, etc.) et la styliste Agata Belcen (rédactrice principale de mode chez AnOther Magazine) qui ont fait équipe avec l’artiste Belge de maquillage Inge Grognard.

MoMu - Fashion 2.021 Antwerp - Fashion Conscious
MoMu - Fashion 2.021 Antwerp - Fashion Conscious
MoMu - Fashion 2.021 Antwerp - Fashion Conscious
MoMu - Fashion 2.021 Antwerp - Fashion Conscious
MoMu - Fashion 2.021 Antwerp - Fashion Conscious

Fashion 2.021 Anvers – Fashion / Conscious
(04 septembre 2021 – 23 janvier 2022)

ModeMuseum (MoMu)
Nationalestraat 28,
2000 Anvers,
Belgique

L’interprétation idéale de la monoplace Alpine F1 Team par Felipe Pantone

Alpine F1 Team x Felipe Pantone

Dès la réouverture de l’Atelier Renault des Champs-Elysées, le public pourra découvrir la “Alpine F1 x Felipe Pantone”, l’interprétation de la Alpine F1 Team à l’échelle ½ par l’artiste hispano-argentin basé à Valence Felipe Pantone.

L’œuvre, à découvrir à l’Atelier Renault jusqu’à la fin de l’année et sur alpinecars.com/fr/felipe-pantone, marque les premiers pas de Alpine dans le monde de l’art. Elle signe également l’entrée d’Alpine en Formule 1, réunissant Alpine Cars, Renault Sport Cars et Renault Sport Racing sous la même bannière Alpine.

Nous sommes ravis de nous associer à Felipe Pantone pour célébrer l’entrée d’Alpine en Formule 1 et l’ouverture prochaine de l’espace Alpine à l’Atelier Renault sur les Champs-Elysées. Felipe est un artiste authentique, avant-gardiste et un vrai passionné de voitures de sport. Son approche artistique est audacieuse, élégante et captivante. Elle correspond parfaitement aux valeurs d’Alpine pour la première incursion de la marque dans l’Art”, a déclaré Bruce Pillard, Directeur Marque Alpine.

Alpine F1 Team x Felipe Pantone

“Alpine F1 x Felipe Pantone” est l’interprétation idéale de Felipe Pantone de la première monoplace Alpine F1 Team qui disputera cette année le championnat du monde de F1. Peinte aux couleurs d’Alpine auxquelles s’ajoutent les teintes signatures de Fl’artiste hispano-argentin, le noir et le blanc, la monoplace à l’échelle ½ se dénote singulièrement avec ses lignes graphiques qui épousent à la perfection les formes de la voiture.

La Formule 1 est le summum de l’ingénierie. Chaque année, elle redéfinit notre idée de ce qui est possible sur quatre roues. Cette volonté de construire l’impossible m’inspire beaucoup. Mon art est fortement influencé par la cinétique et l’ingénierie. Je travaille avec les technologies et les matériaux les plus récents pour trouver de nouvelles façons de présenter l’art visuel”, s’est exprimé Felipe Pantone.

Alpine F1 Team x Felipe Pantone

Parallèlement, Felipe Pantone propose son interprétation du casque de Formule 1, objet iconique de la discipline. Le casque, blanc, est exposé dans une boîte transparente et colorée, le rendant unique en fonction du point de vue adopté et de la lumière projetée.

Alpine F1 Team x Felipe Pantone

“Alpine F1 x Felipe Pantone” et le casque seront exposés au premier étage de l’Atelier Renault, au nouvel espace dédié à Alpine. L’espace divisé en 3 zones permettra au visiteur de découvrir tout l’univers de la marque : une zone expérientielle est consacrée au programme de personnalisation Atelier Alpine, l’exposition de la collaboration entre Alpine et Felipe Pantone et le nouveau Bar Cocktail nommé “La Flèche Alpine Lounge”.

Avec Michael Murphy, la nouvelle Reverso Tribute Nonantième de Jaeger-LeCoultre devient une œuvre d’art 4D

Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy

Lors du salon “phygital” Watches & Wonders de Shanghai, Jaeger-LeCoultre a dévoilé Spacetime, une installation artistique commandée à l’artiste américain Michael Murphy – une installation qui célèbre non seulement le 90è anniversaire de la Reverso mais aussi pour fêter la sortie de l’exceptionnelle Reverso Tribute Nonantième.

Avec cette représentation en 4D de la Reverso Tribute Nonantième, l’artiste basé à Brooklyn s’intéresse à la relation entre les trois dimensions physiques de l’espace et la quatrième dimension, celle du temps.

Mêlant techniques artistiques classiques, dispositifs numériques et savoir-faire manuels, Michael Murphy a élaboré un procédé entièrement inédit pour figurer des images en deux dimensions sous forme d’éléments mobiles suspendus en trois dimensions. Ces installations anamorphiques sont composées de 69 pièces découpées suspendues à des intervalles et hauteurs divers. En fonction de l’angle spécifique où se place le spectateur, elles semblent changer de forme pour faire apparaître une image particulière.

Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy

Chacune de ces 69 pièces de l’œuvre évoque par sa forme un élément familier de la montre. Et chacune est revêtue d’impressions photos de différents fragments du mouvement et du cadran. Ainsi, lorsque le visiteur marche autour de l’installation, ces composants lui apparaissent exactement comme ils sont disposés à l’intérieur de la montre à condition d’être parfaitement alignés visuellement.

Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy

Nous sommes ravis de collaborer avec Michael Murphy. Son installation artistique requiert une précision extrême, valeur partagée par Jaeger-LeCoultre. Nos horlogers mettent tout leur cœur dans chaque croquis, chaque oscillation du balancier et chaque roue d’échappement, repoussant constamment les limites de la précision”, a déclaré Catherine Rénier, CEO de Jaeger-LeCoultre.

Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy

Cette installation Reverso explose en une myriade d’éléments qui racontent l’histoire de la montre et son fonctionnement mécanique. J’ai morcelé ses composants et les ai agencés de façon à créer deux illusions photographiques différentes : une qui permet de découvrir la face de la montre et l’autre le verso”, explique l’artiste avant d’ajouter : “Je crée des œuvres constituées de nombreux objets suspendus qui doivent être alignés les uns avec les autres dans trois dimensions, et je ne dispose pour cela que d’une tolérance d’un millimètre. Lorsque l’on travaille sur des pièces de près de 4 mètres de haut, cela représente une contrainte technique considérable. La haute précision qui prévaut en horlogerie est quelque chose qui me parle vraiment. J’ai toujours conçu mes installations selon une perspective quadridimensionnelle. Je crée ces œuvres d’art qui sont des illusions d’images flottant dans un espace tridimensionnel impliquant la longueur, la largeur et la hauteur. Et cette œuvre s’appréhende dans la durée. C’est là qu’intervient la quatrième dimension”.

Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy
Jaeger-LeCoultre Spacetime - Michael Murphy

« Desert X », quand Richard Mille nous amène à la découvert de l’art contemporain en plein désert de Coachella

Richard Mille x Desert X

Poursuivant son engagement en faveur de la création contemporaine, Richard Mille dévoile la nouvelle édition 2021 de “Desert X”, exposition d’art contemporain présentant des installations spécifiquement pensées et réalisées pour le désert de la vallée de Coachella en Californie.

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“Desert X” supprime au sens propre tous les murs susceptibles d’enfermer les artistes contemporains et illustre parfaitement l’engagement de Richard Mille à faire entrer l’art et l’artisanat de la haute horlogerie dans un nouveau domaine”, s’est exprimé John Simonian, CEO de Richard Mille Americas. “Malgré l’évidente différence d’échelle entre l’infiniment petit de l’univers horloger et le gigantisme des installations artistiques pour la vallée de Coachella, nous nous efforçons tous de défier les conventions, de célébrer la variété des cultures et d’ouvrir le dialogue sur des concepts plus vastes, y compris la nature du temps lui-même. Nous prévoyons que les futurs spectateurs de cette exposition, étendue sur de nombreux kilomètres pour une durée de deux mois, trouveront là l’occasion d’interactions tout en appréciant l’originalité du lieu propice à vivre des moments forts”.

Richard Mille x Desert X

Sous la direction artistique de Neville Wakefield et du co-commissaire César García-Alvarez, cette troisième édition biennale “Desert X” explorera le désert à la fois comme lieu et comme idée, prenant simultanément en compte les réalités des personnes qui y résident et les contextes politiques, sociaux et culturels qui façonnent leur histoire.
Des projets récemment commandés à treize artistes, originaires de huit pays, seront montrés sur le terrain du 12 mars au 16 mai 2021.
Parallèlement, un film sur l’événement, produit par Desert X et Richard Mille, sera également présenté en première mondiale sur de multiples plateformes.

Artistes participants :

  • Zahrah Alghamdi (née en 1977, Al Bahah, Arabie Saoudite, basée à Djeddah)
  • Ghada Amer (née en 1963 au Caire, en Égypte, basée à New York)
  • Felipe Baeza (né en 1987, Guanajuato, Mexique, basé à Los Angeles)
  • Judy Chicago (née en 1939, Chicago, États-Unis. Basée à Belen, Nouveau-Mexique)
  • Serge Attukwei Clottey (né en 1985 à Accra, Ghana, basé à Accra)
  • Nicholas Galanin (né en 1979 à Sitka, Alaska, États-Unis, basé à Sitka)
  • Alicja Kwade (née en 1979, Katowice, Pologne, basée à Berlin)
  • Oscar Murillo (né en 1986, Valle del Cauca, Colombie, basé dans différents endroits)
  • Christopher Myers (né en 1974, New York, États-Unis, basé à New York)
  • Eduardo Sarabia (né en 1976, Los Angeles, États-Unis, basé à Guadalajara, Mexique)
  • Xaviera Simmons (née en 1974, New York, États-Unis, basée à New York)
  • Kim Stringfellow (né en 1963, San Mateo, CA, USA, basée à Joshua Tree)
  • Vivian Suter (née en 1949, Buenos Aires, Argentine, basée à Panajachel, Guatemala)

La carte des installations des artistes “Desert X” est disponible en ligne sur desertx.org et via l’application Desert X 2021, à partir du 12 mars.

Neuf œuvres d’art du MoMA à l’heure de Swatch

Swatch x MoMA New York
Suculentas Beringelas (Succulent Eggplants) (1996) - Beatriz Milhazes

Swatch lance la première étape de sa tournée des musées, avec une édition spéciale créée en collaboration avec The Museum of Modern Art de New York, le MoMA.

La collection inclut six créations uniques inspirées des œuvres d’art de la collection du MoMA, dont La Nuit Étoilée (1889) de Vincent van Gogh, L’Espoir, II ( 1907-1908) de Gustav Klimt, Le Rêve ( 1910) de Henri Rousseau, Composition dans un ovale avec des plans de couleurs 1 (1914) de Piet Mondrian, La ville et le design, les merveilles de la vie sur Terre, Isamu Kurita (1966) de Tadanori Yokoo et New York (1968) de Tadanori Yokoo.

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Swatch x MoMA New York
Meu Bem (2008) – Beatriz Milhazes

Les montres sont disponibles individuellement ou en édition collector proposée dans un coffret spécial en édition ultra-limitée inspiré de Blade Stair – une œuvre architecturale incontournable de la collection MoMA.
Swatch s’est également associée à l’artiste Beatriz Milhazes pour proposer trois de ses œuvres de la collection MoMA : Suculentas Beringelas (Succulent Eggplants) (1996), The Mirror (O Espelho) (2000), et Meu Bem (2008) sur la plateforme de personnalisation Swatch X You.

Swatch x MoMA New York
The Mirror (O Espelho) (2000) – Beatriz Milhazes

Une série limitée d’un design de chaque œuvre de l’artiste sera aussi disponible dans le Design Store MoMA à New York.

Swatch x MoMA New York - Composition in Oval with Color Planes 1
Composition dans un ovale avec des plans de couleurs 1 (1914) – Piet Mondrian
Swatch x MoMA New York - Hope II
L’Espoir, II ( 1907-1908) – Gustav Klimt
Swatch x MoMA New York - New York
New York (1968) – Tadanori Yokoo
Swatch x MoMA New York - The Dream
Le Rêve ( 1910) – Henri Rousseau
Swatch x MoMA New York - The Starry Night
La Nuit Étoilée (1889) – Vincent van Gogh
Swatch x MoMA New York - The Wonders of Life on Earth Isamu Kurita
La ville et le design, les merveilles de la vie sur Terre, Isamu Kurita (1966) – Tadanori Yokoo

La collection Swatch x MoMA sera disponible dès le 4 mars 2021 sur swatch.com, store.moma.org, dans les boutiques Swatch du monde entier et dans les Design Stores MoMA.

L’artiste chinois Liu Wei imagine deux éditions spéciales des cognacs Hennessy pour le Nouvel An Lunaire 2021

Hennessy x Liu Wei - Nouvel An Lunaire 2021

Afin de célébrer le Nouvel An Lunaire 2021, Hennessy a fait appel au célèbre artiste chinois né à Pékin Liu Wei pour imaginer deux éditions limitées, inspirées de son œuvre “SPRING”.

Pour cette collaboration, l’artiste de 48 ans a été inspiré des techniques d’assemblage qu’il a découvertes lors de sa première visite à Cognac. Des vignobles aux distilleries en passant par le Chai du fondateur, il s’est inspiré du rythme de vie de la Maison où l’héritage se mêle à l’innovation et au perfectionnement d’un savoir-faire.

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Hennessy x Liu Wei - Nouvel An Lunaire 2021 - Hennessy X.O Limited Edition
Hennessy X.O Limited Edition

La fabrication du cognac est un art car discerner les arômes et les saveurs dépend aussi des émotions. Il y a de la place pour une imagination infinie. Cette fabrication de cognac est illimitée, il s’agit d’explorer l’inconnu et de ne rien prendre pour acquis”, observe Liu Wei avant de continuer : “La Maison Hennessy est une sorte de culture en soi. À Cognac, j’ai réalisé combien de temps et de patience il fallait pour élaborer un fût ou perfectionner un assemblage. Dans un monde où tant de personnes travaillent comme des machines, la Maison Hennessy mise sur l’excellence du geste. Nous donnons tous les deux vie à la beauté du monde à travers l’art: ce que nous créons est une expression contemporaine de l’émotion”.

Hennessy x Liu Wei - Nouvel An Lunaire 2021 - Hennessy V.S.O.P Limited Edition
Hennessy V.S.O.P Limited Edition

S’appuyant sur son œuvre “SPRING” aux compositions colorées et kaléidoscopiques évoquant les couleurs, les mouvements et un sentiment de transformation, Liu Wei a réinterprété les écrins de deux cognacs emblématiques de la Maison Hennessy : la carafe Hennessy X.O avec son coffret et Hennessy V.S.O.P. Ces deux créations aux caractères uniques ont été revisités avec des nuances vibrantes de fuchsia, bleu, vert et jaune qui sont aussi bien un écho visuel à la profondeur des cognacs Hennessy mais aussi à la nature spontanée et organique de “SPRING”.

Hennessy x Liu Wei SPRING 0
« SPRING » de Liu Wei
Hennessy x Liu Wei SPRING
Liu Wei

Ces deux éditions limitées de Hennessy par Liu Wei sont d’ores et déjà en vente à la boutique de la Maison Hennessy à Cognac, au prix de 220€ pour Hennessy X.O et de 64€ pour Hennessy V.S.O.P.
Vous pouvez également les commander par téléphone au 05 45 35 69 00

L’abus d’alcool est dangereux pour la santé, à consommer avec modération.

CASETiFY lance sa première collection inspirée des chefs-d’œuvre du Musée du Louvre

CASETiFY X Musée du Louvre

Pour le lancement de sa boutique en ligne, le Musée du Louvre a annoncé de nombreuses collaborations avec plusieurs acteurs de la mode, du high-tech, de la décoration et autres dont CASETiFY sur une ligne d’accessoires pour smartphones.

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Comme l’on peut s’y attendre, certaines des œuvres d’art les plus connues du Louvre ont été placées au centre de cette collaboration qui a pour but de partager le plaisir de l’art avec le grand public.

CASETiFY X Musée du Louvre

Quatre œuvres d’art ont été choisies pour cette collab : la Joconde, la Vénus de Milo, La Grande Odalisque et La Liberté guidant le peuple qui viennent orner divers accessoires de CASETiFY pour iPhone, AirPods, Grip Stands et blocs de recharge sans fil.

CASETiFY X Musée du Louvre

Outre ces accessoires déjà imprimés, vous avez également le choix de les personnaliser avec l’apparence d’un “billet de musée”.
La collection inclut aussi la première gourde collaborative de CASETiFY – une nouveauté pour la marque – ornementée d’œuvres d’art imprimées sur l’acier inoxydable.

CASETiFY X Musée du Louvre

Comme beaucoup le savent, CASETiFY a été lancé en 2011 en tant que plate-forme axée sur les artistes, en recherchant des talents du monde entier pour créer les accessoires les plus uniques pour les dernières
technologies
”, a déclaré le PDG et co-fondateur de CASETiFY, Wes Ng. “C’est un moment surréaliste pour nous de faire le tour du monde et collaborer avec le plus important musée et la maison permanente des plus grandes œuvres d’art que ce monde ait jamais vu. Nous espérons que cette collaboration touchera une nouvelle génération et inspirera les futurs créateurs du monde entier”.

CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre
CASETiFY X Musée du Louvre

La liste d’attente a été ouverte sur boutique.louvre.fr pour la collection Louvre x CASETiFY, accordant un accès prioritaire pour acheter la collection le jour du lancement. À partir du 23 février 2021, l’ensemble de la collection de la collaboration exclusive sera accessible sur CASETiFY.com/louvre, avec de la livraison possible dans 180 pays, et accessible en magasin à la Pyramide du Musée du Louvre et en ligne.

Saint Laurent Rive Droite organise une exposition du photographe londonien Derek Ridgers pour la Saint-Valentin 2021

Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021

À l’occasion de la Saint-Valentin 2021, Saint Laurent Rive Droite et son directeur de création Anthony Vaccarello organisent une exposition des photographies de Derek Ridgers pour célébrer les amoureux.

L’exposition se déroule exclusivement dans seulement deux boutiques de la maison de luxe parisienne, celle de Paris rue Saint-Honoré dans le 1er arrondissement et celle de la Rodeo Drive à Los Angeles.

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Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021

Parallèlement à cette exposition qui montre plusieurs clichés sur le thème de l’amour, choisis par Anthony Vaccarello lui-même, du photographe londonien connu pour ses photos immortalisant la scène des clubs fétichistes de Londres, les skinheads et les New Romantics, d’autres animations seront également au rendez-vous.

Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021

Un fanzine et une sélection de pièces de prêt-à-porter (t-shirts et sweats à capuche) mettant en vedette les photographies de Ridgers ainsi qu’un collier en or jaune 18 carats ou à breloques en argent sterling seront également disponibles à l’achat.

Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021

Ceux qui passeront dans ces deux boutiques le jour de la Saint-Valentin seront accueillis avec un bouquet de 1 ou 15 roses baccarat, organisé par le fleuriste Castor, enveloppé dans un papier blanc ivoire mat et scellé avec un ruban noir. Chaque bouquet devrait être accompagné d’un préservatif gratuit.

Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021

Sachant que la Saint-Valentin n’est pas complète sans chocolats, Vaccarello a également collaboré avec La Maison du Chocolat pour une sélection exclusive de ses chocolats, disponibles à Saint Laurent Rive Droite. Les chocolats sont en forme de cœur et dans un mélange de truffes ganache au chocolat au lait et noir et de châtaignes glacées.

Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021
Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021
Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021
Saint Laurent Rive Droite - Derek Ridgers Saint-Valentin 2021

Tous ces articles de la Saint-Valentin sont d’ores et déjà disponibles dans les boutiques Saint Laurent Rive Droite à Paris et à Los Angeles, ainsi qu’en ligne sur Saint Laurent Rive Droite.

Saint Laurent Rive Droite Los Angeles
469 Rodeo Drive
Beverly Hills, Los Angeles
CA 90210

Saint Laurent Rive Droite Paris
213 Rue Saint-Honoré
75001
Paris, France